PALEOCRISTIANO

Se denomina arte paleocristiano al estilo de arte que se desarrolla durante los seis primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.

El arte paleocristiano es el nexo de unión entre dos grandes etapas de la cultura y el arte occidental. Nos referimos a la Antigüedad Clásica y a la Edad Media Cristiana.

En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias.

En el arte paleocristiano se dan dos etapas:

1. La primera es de clandestinidad, en la que hay un escaso desarrollo artístico y que dura hasta el edicto de Milán (313 d. C.). Período de persecución y clandestinidad (siglos II y III),

2. La segunda es de desarrollo durante los siglos IV al VI. Período del gran arte paleocristiano en tiempos del Cristianismo como religión oficial del Imperio. En esta fase será, por contra, un arte protegido e impulsado por las grandes jerarquías eclesiásticas de la época.

PRIMER PERÍODO

Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae y los Cimeterios (cementerios)

DOMUS ECCLESIAE.- Fueron lugares para la celebración del rito cristiano, por tanto son equivalentes a las iglesias parroquiales posteriores.

No tenían una forma especial debido a que se empleaban normalmente viviendas romanas normales de dos pisos adaptándola a las funciones que necesitaban dividiéndola con tabiques.

CIMETERIOS (CEMENTERIOS).- Durante esta fase los enterramientos cristianos tenían lugar en dos posibles lugares: los areae y las catacumbas.

Areae.- Lugares donde las tumbas estaban cubiertas por losas.

Por el ritual funerario de la época, era frecuente encontrar en estos cementerios salas o lugares con mesas donde se celebraban los ágapes funerarios que se celebraban tras el entierro.

Catacumbas

Cuando las conseguían y se completaban se veían obligados a aprovechar el terrenos abriendo galerías subterráneas entrecruzadas. Aunque estos lugares eran estrechos, podían tener decoración, especialmente si el difunto pertenecía a clases adineradas, como los patricios romanos, construyéndose, incluso, pequeños mausoleos.

 La pintura de las catacumbas.

Las catacumbas son cementerios subterráneos. Desde el S I al V. Es una estructura arquitectónica simple: estrechas galerías a diversos niveles con nichos escavados en sus paredes. En el cruce de galerías se forma un cubículo reservado para mártires o personas importantes. Los nichos con arco semicircular se llaman arcosolios. Sobre las losas de los nichos hay pinturas y el nombre del difunto.

La iconografía es simbólica pudiendo ser de dos tipos;

1. De origen pagano, conservando su significado o modificándolo:
Paloma: relacionada con el bautismo de Cristo y con el espíritu santo

Cordero: pureza, inocencia, mansedumbre del hombre justo

Pavo real: símbolo de eternidad

Viña: pámpanos, alusión a Cristo

Pez: en griego acróstico de Jesús Cristo hijo de Dios salvador (ioesus christos theou uios soter) (ictus)

2. De origen en el antiguo y en el nuevo testamento:

Moisés golpeando la roca y Noé saliendo del Arca: bautismo

Daniel con los leones: bajada de Cristo a los infiernos

La pesca milagrosa y el tema de Jonás: símbolo de la crucifixión y resurrección de Cristo

Las bodas de Caná: eucaristía.

El buen pastor: toma como inspiración el Moscóforo griego, después aparece con barba, con la oveja sobre los hombros o rodeado del rebaño es el símbolo de Cristo salvando al fiel.

La técnica pictórica utilizada era muy simple, se ponían varias capas de enlucido, se usaban colores minerales (ocres, rojos y verdes), era una pintura frontal y sin perspectiva, de imágenes planas. No les preocupa la representación física, se prefiere un tipo de pintura simbólica.

⁻ La cristianización de la basílica.

A partir del edicto de Milán (313 d.C.) el avance del cristianismo es imparable y la iglesia empieza a ocupar posiciones de poder. En el año 395 d.C. el emperador Teodosio la convierte en la religión oficial y única permitida en todo el imperio, aquí aflora todo el potencial artístico que se había ido elaborando en las catacumbas.

En los siglos IV, V y VI hay una fiebre constructiva. El modelo de iglesia (del griego ecclesia = asamblea, reunión) es una adaptación a partir de un edificio romano desde antiguo vinculado a la idea de poder: la basílica. Los cristianos adaptaron este edificio a sus necesidades de orientación transversal a longitudinal que simboliza dejar atrás el pecado y acercarse hacia su encuentro con en el altar. Tiene tres partes:

1. Patio porticado, transición entre el mundo del pecado (exterior) y el de la salvación( interior de la iglesia) al final del patio está el nártex es un lugar de transición( desaparece en la arquitectura medieval posterior pero influencia a la arquitectura islámica).

2. Gran espacio rectangular del interior de la iglesia dividido en 3 ó 5 naves cubiertas por techos planos de casetones y sostenidas por hileras de columnas, a veces reutilizadas de edificios romanos, sobre ellas galerías de arcos de medio punto y otras veces entablamentos arquitrabados. La nave central es más ancha y alta y está iluminada por filas de ventanas. El transepto es la nave cruzada para que los fieles se acercaran a las reliquias (toma mucha importancia en la arquitectura medieval).

3. Zona del altar, con ábside semicircular a donde se accedía por un gran arco heredero de los arcos de triunfo romanos (simbolizaba el triunfo de la fe cristiana y de la vida eterna). En el ábside se colocaba la cátedra o silla del obispo de donde viene la palabra catedral. Es un espacio muy compartimentado reflejo de una sociedad muy jerarquizada.

⁻ Escultura

La escultura de la época se halla especialmente representada por los sarcófagos decorados con temas del Crismón, estrígilos, escenas bíblicas y representaciones alegóricas. Entre ellos se destacan el de Leocadius en Tarragona y el de Santa Engracia en Zaragoza. También se conservan algunas estatuas exentas, como varias con el tema del Buen Pastor, laudas sepulcrales y mosaicos que por su técnica y sentido del color siguen los modelos romanos.

BIZANCIO

El arte bizantino es una magia artística que se configura a partir del siglo VI, fuertemente enraizada en el mundo helenístico, como continuadora del arte paleocristiano oriental. En sus primeros momentos, Bizancio se consideró como el continuador natural, en los países del Mediterráneo oriental, del Imperio romano, siendo transmisor de formas artísticas que influyen poderosamente en la cultura occidental medieval. Los períodos del arte bizantino se ajustan, como es frecuente, a las grandes fases de su historia política.

⁻ La pintura

Pues más que una representación, eran la divinidad misma hecha materia, una teofanía (una revelación de lo divino) que se aproxima mucho a lo que significaban las reliquias en el mundo occidental (restos de santos, objetos que estuvieron en contacto con Cristo como la madera de la cruz o la Virgen María y sus lágrimas o las propias gotas de su leche). Esta característica hará que cambie todo, desde su creación hasta su propia contemplación, siendo incluso la causa de una cruenta guerra que duró casi dos siglos.

La pintura bizantina es hierática y rígida, frontal y estilizada, marcando mucho la espiritualidad. El exceso de culto por las imágenes propio de la época dará origen al movimiento iconoclasta.
Las principales técnicas de la pintura bizantina fueron el mosaico, el temple sobre tabla (iconos), el fresco y la iluminación de manuscritos.
Destaca como uno de los más antiguos este "Patócrator de Sinaí" (s. VI).

La figura más destacada es la de Cristo en forma de Pantocrator, en la que aparece bendiciendo. Normalmente se sitúa en la zona más elevada con la Virgen cerca de Él, conforme baja en altura la pintura se colocan las imágenes de santos, más cercanos a lo terrenal.

A partir del siglo VI se comienzan a hacer iconos, pinturas sobre tabla que representan a Cristo y a la Virgen. Los ejemplos más antiguos se encuentran en el "Monasterio de Santa Catalina" del Monte Sinaí (Egipto).

"Justiniano y su corte", el emperador Justiniano lleva como ofrenda una gran patena de oro; va precedido por dos altos dignatarios eclesiásticos, uno de ellos lleva el incensario y el otro el misal, y por el arzobispo Maximiano, que lleva una cruz, todas estas ofrendas aparecen ricamente decoradas con gemas, cabujones y esmaltes. Tras el arzobispo, en segundo plano, el banquero Juliano, que financió la construcción de la iglesia. Detrás del emperador hay dos altos funcionarios del estado con toga, el primero sería el general Belisario, conquistador de Rávena. Cierra el cortejo la guardia personal del emperador con el crismón en sus escudos.

Los personajes están retratados con realismo y tienen mucha fuerza expresiva, pero son hieráticos y distantes. Su mirada es fija y penetrante, refleja el poder espiritual del emperador y sus seguidores. Sus pies, en «V» flotan en un fondo neutro, indefinido, aludiendo a los lazos con lo sobrenatural y el alejamiento de lo terrenal. Todo indica que estas figuras están más allá de la simple humanidad.

⁻ La escultura
La plástica escultórica bizantina supuso la culminación del arte paleocristiano, manteniendo sus técnicas y su estética de progresivo alejamiento de las cualidades clásicas: la mayor rigidez, la repetición de modelos estereotipados, la preferencia del bajorrelieve a las obras de bulto redondo y el uso de materiales ricos (marfil) que proporcionan pequeñas piezas, son los caracteres más destacados de la estatuaria bizantina de la primera etapa.

Las obras más destacadas son las labores ornamentales de los capiteles con motivos vegetales y animales afrontados como son los de San Vital de Rávena o los sarcófagos de la misma ciudad en los que se representan los temas del Buen Pastor.

Pero las obras capitales de la escultura bizantina son las pequeñas obras, dípticos y cajas, talladas en marfil, destacando el díptico Barberini, Museo del Louvre, del siglo V, o la célebre Cátedra del obispo Maximiano, en Rávena, tallada hacia el año 533 sobre placas de marfil con minuciosa trabajo.

El estilo bizantino en escultura debe considerarse como una derivación y degeneración del romano, bajo la influencia asiática. Le caracterizan, en general, cierto amaneramiento, uniformidad y rigidez o falta de naturalidad en las figuras junto con la gravedad la cual suele consistir en esmaltes, en imitaciones de piedras y sartas de perlas, en trazos geométricos y en follaje estilizado o desprovisto de naturalidad. Cultivó el arte bizantino muy poco la estatuaria pero abundó en mosaicos y en relieves sobre marfil, plata y bronce y no abandonó del todo el uso de camafeos y entalles en piedras finas.

Representa el triunfo de Zenón, Anastasio o Justiniano. En el centro, el emperador domina un brioso corcel como signo de fuerza y buen gobierno. Clava la lanza en el suelo celebrando una victoria, mientras un extranjero toca con una mano el arma como signo de acatamiento y con la otra aclama al emperador.

En el panel inferior, más extranjeros de todo el orbe traen todo tipo de productos como regalo o tributo.

En el panel superior, una imagen en un clípeo de Cristo sostenida por ángeles: el Mesías, representado a la manera alejandrina (joven y apolíneo), bendice al emperador y su imperio con el gesto bizantino, mientras sostiene un bastón que termina en una cruz potenzada. A los lados de Cristo, dentro del clípeo, se representa el sol y la luna.

⁻ La arquitectura

MATERIALES: piedra y ladrillo. Mosaicos cubriendo los muros. ELEMENTOS SUSTENTANTES: muros y columnas con capiteles cúbicos. ELEMENTOS SUSTENTADOS:

- Arquerías de medio punto

- Empleo sistemático de la cúpula sobre pechinas.

- Bóvedas de cañón y de aristas.

DECORACIÓN: placas de mármol de colores, mosaicos y pinturas sobre fondo de oro. El lujo ornamental oriental se apodera de todos los ámbitos de los edificios.

Se crean grandes espacios unificados y centralizados bajo las enormes cúpulas.
Todo simboliza la grandeza del emperador.
La Primera Edad de Oro (siglos VI a VIII)

ANTEMIO DE TRALLES

Procedía de una familia culta. Su padre, Estéfano, era médico, como dos de sus hermanos, otro era abogado y a un cuarto se le describía como "hombre de letras".

La construcción de la basílica se realizó del 532 al 537, aunque debido a un derrumbamiento de la cúpula en el 562 hubo que retocarla. El encargo vino de mano del emperador bizantino Justiniano I. Lo más destacado de la obra es su cúpula, que descansa en un gran cuadrado sobre cuatro pechinas y acaba en cuarenta ventanas que dan la apariencia de sostener la cúpula en un mar de luz.

Su talento parece que abarcaba también la ingeniería, ya que se dice que le fue encargado reparar las defensas contra las inundaciones en Dara, una fortificación bizantina en Siria. También fue un matemático capaz. Describió la construcción de una elipse y escribió un libro sobre las secciones cónicas, que fue de mucha utilidad para proyectar la cúpula de Santa Sofía. Compiló un estudio sobre las configuraciones en espejo en su obra sobre dispositivos mecánicos que fue conocida por los matemáticos árabes como Ibn al-Haytham.

La Basílica de Santa Sofía es la obra más importante de la etapa de Justiniano, el marco adecuado al solemne ceremonial político-religioso en el que queda a salvo el poder teocrático del emperador, a la vez que catedral de los patriarcas, escenario de los actos estatales y centro espiritual del Imperio. 

ANTEMIO DE TRALLES E ISIDORO DE MILETO la levantaron en tan sólo cinco años.

Fue construida del 532 al 537, durante el mandato de Justiniano I en Constantinopla, capital del Imperio bizantino (hoy Estambul, en Turquía).

La Segunda Edad de Oro (siglos IX a XII)

Predominan las iglesias de planta de cruz griega, cubiertas con cúpulas que se asientan sobre tambores poligonales. A este tipo pertenecía la desaparecida iglesia de Nea de Constantinopla, mandada construir por Basilio I. Pero los mejores edificios están fuera de la capital. En Italia destaca la basílica de San Marcos de Venecia, del siglo XI, de planta de cruz griega inscrita en un rectángulo con cinco cúpulas sobre tambor y tres ábsides; el nártex también tiene pequeñas cúpulas. Se inspira en la iglesia de los Santos Apóstoles. De la misma época son Santa Sofía, en Kiev, de forma basilical de cinco naves y la iglesia de Dafni, en Grecia.

SAN MARCOS DE VENECIA

Planta en cruz griega, con una cúpula en cada brazo de la cruz y otra central


La Tercera Edad de Oro (siglos XIII-XV)

SAN SALVADOR DE CHORA

Última dinastía del Imperio, la de los Paleólogos. Máxima expansión del arte bizantino. Su influencia llega a toda la Europa del Este desde Grecia hasta Moscú, y desde Armenia hasta el Danubio.

TIPO DE PLANTA: cubiertas con cúpulas bulbosas sobre tambores circulares o poligonales.

GÓTICO

Se trata de un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que oscilan aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI, dependiendo del área geográfica.


En su época fue conocido como “Opus francigenum” (obra francesa, estilo francés….); recibió en el Renacimiento la denominación de Estilo Moderno, en oposición al antiguo o clásico. G. Vasari lo llamó estilo Gótico por considerar que era una creación bárbara, germánica (goda), con principios anticlásicos.
La Burguesía, se convierte en el motor económico y sector más dinámico del espectro social bajomedieval con intereses comerciales y artesanales, trayendo consigo una nueva mentalidad, el antropocentrismo, totalmente contrario al Teocentrismo románico. Además, este grupo social va a tener medios económicos suficientes para ejercer el mecenazgo artístico, impulsando de manera satisfactoria este arte.
Se recupera el gusto por la armonía constructiva como perfecta relación entre las partes que conforman el edificio.
Las relaciones de los reinos hispánicos con Francia fueron muy frecuentes durante la Edad Media. Desde la ininterrumpida corriente del Camino de Santiago a las colonizaciones de la Meseta del Duero organizadas por Raimundo de Borgoña, yerno de Alfonso VI de Castilla, el suelo peninsular se vio permanentemente expuesto a una sutil pero fértil colonización de vocablos, usos e ideas francesas, con lo cual se fortalecía el aparecimiento del nuevo arte.

Períodos Góticos

Primera época ( 2ª mitad del s. XII y el s. XIII). Formación y Plenitud:Época de fe, de amor y de entusiasmo. La fe de los Capetos, con Luís IX, el rey Santo, y la prolongada paz que consigue políticamente favorecen la elevación de templos en tiempos cada vez más breves. La rapidez de la construcción le da a la obra una unidad de estilo rara vez obtenida en la Edad Media.

Segunda época (s. XIV y 1ª mitad del s. XV). Crisis y Gótico Internacional: La fe y el entusiasmo que habían hecho elevar catedrales hacia el cielo que honraban a la Virgen, Nuestra Señora (Notre Damme), se van extinguiendo con el final del s. XIII. Otras preocupaciones morales y económicas, así como la Guerra de los Cien Años, cambiaron radicalmente el panorama religioso en buena parte de Europa. En los años siguientes se produce un notable desarrollo del arte cortesano, altamente refinado y elegante, que coincide con el de la música y el lenguaje de los trovadores. El movimiento es común en toda Europa, y se le conoce con el nombre de Gótico Internacional.

Tercera época (2ª mitad del s. XV). Agotamiento y Gótico Flamígero: Al extinguirse la espiritualidad que fundamentaba el estilo, se busca una salida estética. Es el Gótico Flamígero, que sin innovar nada en los aspectos técnicos y estructurales, expresa el gusto por la decoración exuberante, peculiar de una época de riqueza material. Esta efusión ornamental llega, en ocasiones, a prevalecer sobre las propias estructuras, a las que oculta, dando la sensación de un gran vegetal que consume definitivamente el estilo arquitectónico.

Pintura 

La Anunciación-Museo Florentino de los Uffici

Podemos observar su estilo de suaves líneas onduladas con el que crea personajes esbeltos, de rostros ovalados, boca pequeña y ojos oblicuos.
Retablo del Arzobispo Sancho de Rojas

España recibió la influencia de ambas escuelas italianas. En el Museo de Prado está el “Retablo del Arzobispo Sancho de Rojas”, anónimo, de tradición florentina. Pero fue más importante el influjo de los pintores de Siena, que se manifiesta sobre todo en la Corona de Aragón, en obras como el “Retablo de Tobed” de los hermanos Serra.

Caronte viajando a través del Lago Estigia 

Con Joachim Patinir una de las características más relevantes es el especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones; el argumento y las figuras de sus cuadros resultan accesorios, son un mero pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y bellas panorámicas.

Autores

Ramón Destorrents (1351-1362)

Fue un miniaturista y pintor español de estilo italo-gótico, el más representativo de la escuela catalana. Está influido por la escuela sienesa.
Al morir Ferrer Bassa se convirtió en el pintor de la corte aragonesa de Pedro IV. En 1357 ingresó en su taller Pere Serra. A través de él y de su hijo, Rafael Destorrents, el estilo italo-gótico perduró en Cataluña hasta finales del siglo XIV.
Se le conoce sobre todo por ser el autor del retablo para el Palacio Real de la Almudaina de Palma de Mallorca, realizado en 1353 y que se conserva dividido, estando la pieza principal, la Santa Ana con la Virgen niña, en el Museu Nacional de Arte Antiga conocido también con el nombre de «Museo das Janelas Verdes» de Lisboa.
Se le atribuye el Retablo de Santa Marta, iglesia de Iravals, Pirineos Orientales.

Jaume Serra

Fue un pintor catalán de estilo italogótico documentado en tierras de Aragón y de Cataluña entre 1356 y 1390.
Los hermanos Serra se caracterizan por la pintura de figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña. Jaume difundió en particular un modelo de Virgen de la Humildad, lactante, entronizada con donante a un lado y de carácter funerario.
Jaume Serra colaboró con sus hermanos en la realización del retablo del monasterio de Sigena (Huesca), hoy en el Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.

Pere Serra

Fue un pintor de la Corona de Aragón de estilo italo-gótico, que estuvo activo en Cataluña entre 1357 y 1406.
Cultivaron los hermanos Serra el estilo italo-gótico, de influencia en especial sienesa, como era por otro lado típico del siglo XIV catalán. Realizan figuras menudas, estilizadas, de ojos rasgados y boca pequeña.
De los cuatro hermanos, Pere Serra es el más dotado y quien tuvo una más larga carrera. Ingresó en el taller de Ramón Destorrents en 1357. Se interesó más por el colorido que por los conceptos espaciales. Desarrolló trabajo de taller, según se evidencia en la reiteración de los mismos modelos pictóricos.

ESCULTURA

La Virgen blanca de la Catedral de Toledo-Anónimo

Es un ejemplo de los cambios que se producen. Los retablos, generalmente en madera, son las obras más originales de la escultura gótica. Son una nueva forma de contar, ya no simbólica como en el románico, sino prefiriendo representar de un modo narrativo y naturalista.

Cartuja de Champmol-Slutter

Su mejor obra es la Cartuja de Champmol. Para esta cartuja realiza retratos del duque y de su esposa en la puerta. En el cementerio esculpió el "Pozo de Moisés", sobre el que se situó a Cristo crucificado. Este pozo tiene forma cuadrada. A ambos lados, se disponen los profetas, donde el más famoso es Moisés.

Arquitectura

La arquitectura gótica presenta innovaciones técnicas y constructivas notables, que permitieron levantar estructuras esbeltas y ligeras con medios y materiales sencillos. Las principales aportaciones constructivas, al igual que en el románico, se centran en las cubiertas. Como elementos característicos encontramos:

Elementos sustentados:
Arco apuntado u ojival. Clave.
Bóveda de crucería u ojival. Nervios.
Elementos sustentantes:
Al interior: Pilar compuesto
Al exterior: Arbotante y contrafuerte. Pináculo. Aguja o chapitel.
Las portadas.
Abocinadas: arquivoltas.
Decoración escultórica.
Gabletes y rosetones.
La planta:
Cruz Latina
De Salón.


Planta: Se puede diferenciar dos tipos de plantas, la primera de tradición románica, en la cual se observan casi las mismas formas que en el estilo románico y más comúnmente la de cruz latina, con girola o sin ella pero con los brazos poco salientes y con los absidiolos o capillas absidiales frecuentemente poligonales; y el segundo tipo de planta es de salón, la misma que carece de crucero de brazos salientes (aunque no deja de ostentarse más o menos la simbólica cruz de enmedio), el templo de salón presenta una disposición basilical y posee, como mínimo, tres naves de igual altura y, por consiguiente, un sistema de iluminación lateral. Los espacios interiores son amplios y desahogados, abarcables con una sola mirada y tremendamente unitarios, de ahí que parezcan o tengan el aspecto de un gran salón.

Arco ojival: El arco ojival, a diferencia del arco de medio punto, es más esbelto y ligero por transmitir menores tensiones laterales, permitiendo adoptar formas más flexibles, resulta más eficaz, pues gracias a su verticalidad las presiones laterales son menores que en el arco de medio punto, permitiendo salvar mayores espacios. A lo largo del gótico el arco apuntado mostró variantes como el arco trilobulado, el arco conopial utilizado durante el denominado gótico flamígero o el arco Tudor, durante el denominado gótico perpendicular inglés.

Bóveda de crucería: Conformada por arcos apuntados, a modo de esqueleto, es más ligera que cualquier otro tipo de bóveda construida hasta esa fecha. La utilización de ese tipo de arco formando un esqueleto tridimensional unitario refleja el alto conocimiento técnico que alcanzaron los constructores de catedrales.

Contrafuertes y arbotantes: En vez de construir gruesos muros como se realizaba en el románico, se construyeron contrafuertes que se separan de la pared, recayendo el empuje sobre ellos por medio de un arco de transmisión denominado arco arbotante. Todavía se puede alcanzar una mayor resistencia colocando a continuación un segundo contrafuerte. Los arbotantes también cumplen la misión de albergar los canales por donde descienden las aguas de los tejados y evitar así que resbalen por las fachadas.

Alzado: El sistema constructivo gótico, eficiente y ligero en su conjunto, permitió ganar altura para los edificios. El alzado de los templos góticos presenta diversas alternativas que se fueron sucediendo en el tiempo:
Alzado cuatripartito: estructurado en cuatro niveles es utilizado en el gótico inicial, en especial de la región de Normandía como en las catedrales de Laon y Noyon. Los cuatro niveles que forman este modo son:
1er piso: arcadas o arquerías
2º piso: tribuna
3º piso: triforio
4º piso: claristorio

El alzado tripartito se estructura en tres niveles, se impone desde fines del siglo XII. En este modelo se distinguen dos variantes, una primera que presenta el triforio ciego y una segunda con el triforio calado. Los distintos niveles que forman el modo tripartito son:

1er piso: arquería
2º piso: triforio
3º piso: claristorio o ventanales.

El alzado bipartito: A partir de 1300 se empieza a utilizar un nuevo alzado con solo dos plantas

1er piso: arquerías
2º piso: claristorio

Columnas: Consisten en el pilar compuesto el cual, durante el periodo de transición, es el mismo soporte románico aunque dispuesto para el enjarje de arcos cruceros, pero en el estilo gótico perfecto se presenta cilíndrico el núcleo del pilar, rodeado de semicolumnillas (pilastras) y apoyado sobre un zócalo poligonal o sobre un basamento moldurado, a diferencia del estilo románico en que tal zócalo era uniforme y cilíndrico.

Capiteles: El capitel gótico va perdiendo su importancia según adelanta la época del estilo. Después del periodo de transición en el que se sigue el capitel románico se presenta como un tambor algo cónico abrazado con follaje cuyos motivos se toman de la flora del país y se corona por un ábaco circular o poligonal de varias molduras.

Ventanas y vidrieras: La reducción de la estructura sustentante al mínimo imprescindible permitió abrir grandes huecos en los muros de las fachadas, en donde se colocan piezas de vidrio vistosas coloridas y llenas de la imaginación de un arte sin igual.

Puertas: En las puertas y la fachada despliega el arte gótico toda su magnificencia y su concepción teológica. La portada gótica admite la misma composición fundamental de forma abocinada, que la románica pero se multiplican las arquivoltas y se añade una mayor elevación de líneas con más riqueza y finura escultórica guardando siempre en arcos y adornos la forma propia del nuevo estilo. Encima de la puerta suele colocarse un elevado gablete.

Iglesias Góticas

Caracterizando el gótico clásico, en el que se impuso la bóveda cuatripartita y la nave central de tres alturas con arquerías, triforio y claristorio, encontramos:

Catedral de Reims-París

Destaca por la unidad de estilo y su notable profundidad, idónea para el ceremonial real ya que en ella era coronados los reyes de Francia.

Catedral de Amieins

Además de su mayor verticalidad, presenta como novedad el triforio calado que permite la entrada de mayor cantidad de luz; es el punto de partida del gótico radiante.

Sainte Chapelle-París

Esta capilla es un gran exponente del gótico radiante, llamado así por la abundancia y tamaño de los ventanales, que prácticamente eliminan el muro.