CUESTIONARIO

1. ¿Quién designo el término gótico?
Giorgio Vasari

2. ¿El periodo Gótico se desarrolla durante que siglos?
Edad media: Desde mediados de siglo VII hasta la implantación del Renacimiento hasta el siglo XV y en otros lugares hasta el siglo XVI.

3. Enumere y explique las etapas del estilo gótico.

-Gótico temprano o de transición.
Conserva la sobriedad y robustez del románico, pero comienza a incorporar elementos como el arco apuntado o las vidrieras. Aparece también la planta de crucero (en forma de cruz) en las iglesias.

-Gótico clásico.
A él pertenecen la mayor cantidad de obras y construcciones de este periodo. Se construye alcanzando alturas nunca vistas antes, los muros disminuyen de tamaño y aparecen las grandes vidrieras gracias a la invención de los contrafuertes y los arbotantes que hacen que no sea necesario reforzar dichos muros. Los techos con grandes bóvedas suben en altura y complejidad, aparecen las capillas laterales, girolas, etc...

-Gótico radiante.
Es la sofisticación del anterior, el mejor ejemplo es el gótico inglés con las bóvedas de abanico o las vidrieras de la Saint Chapelle de París. Se rellenan todos los espacios y no se dejan espacios vacíos.


4. Enumere tres antecedentes históricos importantes que suceden en el periodo Gótico

- “NOTRE DAME”
Gran originalidad y audacia suponen los pilares cilíndricos que separan los espacios de las naves. En contra de lo que se hizo después en la mayoría de edificios góticos, se diseñaron a modo de columnas gigantes, sin haces o columnillas adosadas. Las bóvedas y las tracerías de los ventanales muestran diseños simples, como corresponde a la fase inicial del gótico en que fueron proyectados. La decoración escultórica de capiteles, enjutas y demás espacios también responde a la sencillez heredera de la tradición cisterciense, y predominan en ellos los elementos vegetales.

*CATEDRAL DE CHARTRES
Esta catedral marcó un hito en el desarrollo del gótico e inició una fase de plenitud en el dominio de la técnica y el estilo gótico, estableciendo un equilibrio entre ambos. Es sumamente influyente en muchas construcciones posteriores que se basaron en su estilo y sus numerosas innovaciones, como las catedrales de Reims y Amiens a las que sirvió de modelo directo.

* El escultor flamenco-borgoñón Claus Sluter y el gusto por el naturalismo marcaron el comienzo del fin para la escultura gótica, finales del siglo XV.

5. Identifique 5 características del arte gótico?

- Arco ojival o apuntado, presente en la bóveda, puertas y ventanas.
- La bóveda de crucería, que cierra y corona el edificio
- Pilares esbeltos con columnas adosadas, que actúan como soportes de los arcos, los cuales a su vez sostienen la bóveda.
- Los temas son fundamentalmente religiosos (vida de Jesús, de la Virgen, y de los Santos).
- Los elementos decorativos se inspiran en la naturaleza local: animales y plantas propios de cada lugar.

6. Enumere y dibujo 8 elementos arquitectónicos que identifiquen la arquitectura gótica

Planta de cruz latina

Bóveda de crucería.

Arbotante

Contrafuerte

Arco Ojival

Pilares

Vitrales.

Gárgolas.

7. Las alegorías en la pintura gótica

-No tiene perspectiva
-Tiene bases del estilo Bizancio
-Representación de las figuras religiosas (los santos, los ángeles, la virgen María, Cristo).
-En un plano más humano que divino dejándolos expresar sentimientos y emociones.

8. ¿Qué es el carácter bucólico en la pintura gótica?

Carácter bucólico o el crismón (monograma de Cristo formado por el enlazamiento de las iniciales de su nombre en griego, de las que suelen pender también la primera y la última letra – alfa y omega – del alfabeto griego que vienen a definir a Jesucristo como principio y fin de todas las cosas)

9. Explique la arquitectura Gótica y enumere tres obras importantes.

La arquitectura gótica es la forma artística sobre la que se formó la definición del arte Gótico, el estilo artístico comprendido entre el Románico y el Renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental.

-Catedral de Santa María del Fiore.
-Notre Dame de París.
-Catedral de Estrasburgo.

10. Explique la pintura gótica y enumere tres obras importantes.

-Tiene bases del estilo Bizancio
-Su pintura es en tabla.
-No tiene perspectiva
-Los temas son pastoriles evangélicos
-Usan altos y bajos relieves

*Retrato de la vida de la Virgen y de San Francisco.
* Llanto sobre el cuerpo de Cristo de Giotto.
*Cristo Bendiciendo.

11. Explique la escultura gótica y enumere tres obras importantes.


Fue un tipo de escultura que evolucionó a partir de la románica y que más adelante se disolvió en lo que sería la escultura del renacimiento y el manierismo. Durante el renacimiento cuando los valores clásicos fueron reconsiderados de nuevo, la escultura de los siglos inmediatamente anteriores era considerada como grosera y basta y se la llamó gótica.

-Virgen con el niño.
-Juan de cervantes.
- Ángel de la sonrisa

12. Enumere tres obras del Gótico Italiano y tres autores

-Maestro de Isaac; Autor. Giotto
-Capilla de los Scrovegni; Autor: Giotto
-Anunciación entre los santos Ansano y Margarita; Autor: Simoné Martini

13. Enumere tres obras y tres autores del gótico de los países bajos

-Catedral de San Miguel - Anthony van Dyck.
-Catedral de Santa gudura de Bruselas - Johannes Vermeer.
-Catedral de Amberes - Rembrandt.

14. Enumere una obra de los siguientes autores góticos: Cimabue, Duccio, Simone Martini , Giotto , El Bosco, Nicola Pisano.

*Cimabue: La Madonna en el Trono
*Duccio: Resurección de Lasaro
* Simone Martini:Anunciación entre los santos Ansano y Margarita.
* Giotto: Capilla de los Scrovegni
* El Bosco:El Jardín de las Delicias
* Nicola Pisano: Púlpito de la Catedral de Siena.

15. Quiénes fueron los que construyeron las catedrales de Reims , Notre Dame , Colonia, Chartres, Siena?

-Reims: Jean d' Orbais.
-Notre Dame: Maurice de Sully
-Colonia:Maestro Gérard
-Chartres:Anónimo
-Siena:Nicola Pisano

16. Explique : Renacimiento, Estilo, periodos, filosofía, mecenazgo

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.

17. Cuáles fueron las bases científicas en el periodo del renacimiento

El cosmos aristotélico El cosmos artistotélico puede ser descrito como un sistema cerrado y finito, teleológicamente ordenado. El principio rector reza así: «todo lo que se mueve es movido por otra cosa». En la cúspide del sistema encontramos el motor inmóvil, acto puro, que mueve eróticamente (todas las cosas ansían parecerse a él). El motor inmóvil no puede –a pesar de algunas vacilaciones del propio Aristóteles– estar en contacto con el mundo: es el mundo el que tiende a él como a su fin último. Por debajo se encuentra el primer motor, que pone en movimiento la esfera de las estrellas fijas; esta, a su vez, mueve la esfera de Saturno, y así sucesivamente, hasta el orbe lunar.

18. Explique la pintura del renacimiento 3 obras y cinco autores

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el barroco. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica, el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos, nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna.

Obras:
*Amor Sagrado y amor profano
*La Gioconda
*Jesús entre los doctores

Autores:
*Leonardo Da Vinci
*Donatello
*Miguel Angel
*Tiziano
*Rafael

19. Explique la escultura del renacimiento 3 obras y cinco autores

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.

Obras:

*Piedad del Vaticano
*Bartolomeo Colleoni
*Rapto de las Sabinas

Autores.

*Miguel Angel Buonarroti
*Berrocchio
*Ghiberti
*Nicolás Pisano
*Donatello

20. Explique la arquitectura del renacimiento 3 obras y cinco autores

Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes.

Obras:

*Palacio Medici Riccardi
*Villa Farnesina
*Villa Capra

Autores:
*Michelozzo
*Baldassarre Peruzzi
*Andrea Palladio
*Rafael Sanzio
*Jacopo Vignola

21. Sitúe una obra de cada artista del renacimiento : Masaccio, Botticelli, Mantegna, Miguel Ángel , Rafael, Tiziano, Tintoretto, Leonardo , Verrocchio, Brunelleschi, Bramante.

Masaccio: La trinidad.
Botticcelli: Venus y marte.
Miguel Ángel: La piedad
Rafael:El incendio de Borgo
Tiziano:L asunción de la virrgen.
Tintoretto:San Marco liberando al esclavo
Leonardo:La Gioconda.
Verrocchio:Cristo y Santo Tomas.
Brunelleschi:Palacio Pitti
Bramante:Iglesia de Santa Maria.

22. Ponga el autor de la obra :

Virgen de las rocas: Leonardo Da Vinci
La ultima cena:Leonardo Da Vinci
Cristo muerto:Andrea Mantegna
El David:Miguel Ángel
La dama de armiño: Leonardo Da Vinci
La anunciación: Fra Angelico
La sibilas: Miguel Angel
Adán y Eva:Alberto Durero
Puerta del paraíso:Lorenzo Ghiberti
Gattamelata: Donatello
San María de las Flores:Arnolfo di Cambio
El nacimiento de la Venus: Botticelli
Los desposorios de la virgen: Rafael Sanzio

23. Manierismo: Siglos, explicación del estilo , una obra un autor

Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte última del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento

Obra:
*Palazzo Te

Autor:
*Giulio Román

24. Especifique 8 características generales del arte Barroco

Exageración en la decoración
Movimiento artístico
Creación de colonias en América
Posee alto contraste
Es teatral
Es ampuloso
Tiene composición abierta
Tienen horror al vacío

25. Barroco 5 antecedentes históricos que marcan el inicio de este periodo

*España se ve envuelta en la guerra de los treinta años.
*España reconoce la independencia de Holanda.
*La decadencia y la crisis del siglo XVI de los contemporáneos.
*Es el siglo de oro, donde los escritores cultivan distintos géneros como el teatro, novela y poesía.
*Se le toma al pueblo con un sentimiento de pesimismo.

26. 4 Diferencias entre el renacimiento y el barroco

*Predominio del color sobre el dibujo: renacimiento, la línea por encima de todo, barroco pintura por manchas.
*Claro-oscuro: renacimiento luz clara y limpia, barroco luz con sombra.
*Renacimiento perspectiva lineal o geométrica, barroco sensación de profundidad. *Composición asimétrica; renacimiento figura principal en el centro, barroco se prefiere el desequilibrio.

27. Barroco Italiano : Arquitectura, Pintura, Escultura, 1 obra, 1 autor.

*Pintura: Autor Caravagio; Obra La vocación de San Mateo.
*Arquitectura: Autor: Carlo Maderno; Obra: Fachada de la Basílica de San Pedro. *Escultura: Autor: Francois Girardon; Obra: Busto de Nicolás Boileau.

28. Barroco Español: Arquitectura, Pintura, Escultura, 1 obra, 1 autor.

*Escultura: Autor: Gregorio Fernández;Obra: El Cristo Yacente del Pardo. *Arquitectura: Autor: Alberto de Churriguera y Andrés García; Obra: Plaza mayor de Salamanca. *Pintura: Autor: Diego Velásquez; Obra: Las meninas.

29. Barroco Americano: Arquitectura, Pintura, Escultura, 1 obra, 1 autor.


*Arquitectura: Autor: Jaime Ortíz; Obra: Iglesia del Sagrario.
*Pintura: Autor: Fray Pedro Bedón; Obra: Vida del padre Cristóbal Pardavé. *Escultura: Autor: Alonso Gómez; Obra: La adoración de los Pastores.

30. Clasicismo Francés: Arquitectura, Pintura, Escultura, 1 obra, 1 autor.

*Arquitectura:Autor: Andrea Palladio; Obra: Villa Capra
*Pintura:Autor: Claude Lorrain ; Obra: Paisaje con el embarque de Santa Paula en Ostia.
*Escultura:Autor: Benvenuto Cellini; Obra: Perseo

31. Barroco Flandes: Arquitectura, Pintura, Escultura, 1 obra, 1 autor.


*Pintura:Autor: Rubens; Obra: La Adoración de los Magos
*Arquitectura: Autor: Fischer von Erlach; Obra: Palacio de Schonbrunn
*Escultura: Autor: Bernini; Obra: Éxtasis de Santa Teresa

32. Barroco Holandés: Arquitectura, Pintura, Escultura, 1 obra, 1 autor.

*Arquitectura: Autor: Fischer von Erlach; Obra: Iglesia de San Carlos Borromeo *Pintura: Autor: Rembrandt; Obra: Ronda nocturna
*Escultura: Autor: Bernini; Obra: Apolo y Dafne

33. Rococó: Arquitectura, Pintura, Escultura, 2obras, 2 autores.

*Arquitectura: -Autor: Fillipo Juvara; Obra: Basílica de Superga. -Autor: Jan Bouman; Obra: Palacio de Sanssouci.
*Pintura: -Autor: Jean Antoine Watteau; Obra: Peregrinación a Cythera -Autor: Fragonard; Obra: El columpio.
*Escultura: -Autor: Edmé Bouchardon; Obra: Cupido -Autor:Martin Carlin ; Obra: Mesa de la Factoría de Sevres.

34. Goya: biografía etapas de su obra 4 obras

Fue un pintor y grabador español que desarrollo un estilo que inaugura el romanticismo, sus obras abarcan pintura de caballete y mural, el grabado y dibujo. El arte goyesco es el comienzo de la pintura contemporánea y fue precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.


1era etapa: Nacimiento y juventud

2da etapa: Viaje a Madrid

3era etapa: Enfermedad.

Obras:
*Los zancos
*El Quitasol
*Perros en Trailla
*Las majas

35. Revolución Francesa: Explicación fechaje y artífices

Se da en el año 1789 con la toma de la bastilla se decapito a cortesanos de la monarquía francesa, surge una pluralidad ideológica, desechan la religión, surge la burguesía- clases por apellidos.

Representante: Napoleón.

36. Neoclasicismo: Arquitectura, Pintura, Escultura, 2obras, 2 autores.

*Arquitectura: -Autor:William Kent ; Obra: Templo de la virtud antigua. -Autor: Karl Friedrich; Obra: Altes Museum

*Pintura: -Autor: Leo von Kienze ; Obra: Acrópolis de Atenas. -Autor:Lois David; Obra: El juramento de los Horacios

*Escultura: -Autor:Antonio Canova; Obra: Perseo con la cabeza de medusa -Autor:Francois Rude; Obra: La Marsellesa

37. Romanticismo: Explicación, 1obra, 1 autor.

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido (Gran Bretaña e Irlanda del Norte) a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable.

Saturno devorando a su hijo – Goya

38. Simbolismo: Explicación, 1obra, 1 autor.

El término simbolista procede del ámbito literario. El primero en utilizarlo fue el poeta Jean Moréas en 1885 en su "Manifiesto Simbolista" y posteriormente se aplicó a la nueva pintura ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran semejantes.

El pecado - Frank stuck.

39. ¿Qué fue el academicismo?

En Arte, se habla de una obra u obras académicas cuando en estas se observan unas normas consideradas «clásicas» establecidas, generalmente, por una Academia de Artes. Las obras académicas suelen hacer gala de una gran calidad técnica. El anti academicismo suele ser, en cambio, signo de rebeldía y de renovación

40. ¿Qué fue el iluminismo?

Iluminismo e iluminista puede hacer referencia: El movimiento religioso español del siglo XVI, también conocido como alumbrados, relacionado con una corriente mística que defendía la posibilidad de alcanzar la perfección mediante la oración, sin necesidad de rito alguno. El movimiento intelectual europeo del siglo XVIII, conocido más habitualmente como Ilustración (y a sus seguidores, ilustrados).

41. ¿Qué fue enciclopedismo?

El Enciclopedismo fue un movimiento filosófico -cultural que se originó debido a la influencia de la Ilustración, se desarrolló en Francia, y buscaba catalogar o concentrar todo el conocimiento humano a partir de nuevos principios de la Razón. Fue impulsado y editada por, Diderot, d' Alember, muchos de los más notables figuras de la Ilustración Francesa contribuyó a los trabajos incluidos: Voltaire, Rousseau y Montesquieu.

42. Explique el Arte por el Arte

El arte por el arte llega a comienzos del siglo IX donde aparece la cámara fotográfica y hay cambios tecnológicos y el artista se queda sin trabajo y empieza a tener una vida bohemia y surge el movimiento el arte por el arte posteriormente surge el Impresionismo.

43. ¿Qué fue la crisis de la representación?

El tránsito de la modernidad a la postmodernidad genera un drástico cambio en el pensamiento del siglo XX que precipita unas transformaciones artísticas tan importantes como complejas. La aparición del capitalismo y de las categorías culta y popular, el aislamiento del artista y especialmente la crisis de la representación propiciarán unos nuevos caminos creativos. Surge la pintura abstracta y la copia de la realidad pierde importancia. En el arte se rompe el plano de representación pictórico y se invade ese espacio de representación. Aparecen las manifestaciones artísticas espacio-temporales como la acción.

44. Antecedentes históricos del siglo 18

Según el calendario gregoriano vigente, el siglo XVIII comprende los años 1701-1800, ambos incluidos, de la era cristiana. En la historia occidental, el siglo XVIII también es llamado Siglo de las Luces, debido a que durante el mismo surgió el movimiento intelectual conocido como Ilustración. En ese marco, el siglo XVIII es fundamental para comprender el mundo moderno, pues muchos de los acontecimientos políticos, sociales, económicos, culturales e intelectuales del siglo han extendido su influencia hasta la actualidad. De hecho, para la historia occidental es el último de los siglos de la Edad Moderna y el primero de la Edad Contemporánea, tomándose convencionalmente como momento de división entre ambas los años 1705 (Máquina de vapor), 1751 (L'Encyclopédie), 1776 (Independencia de Estados Unidos) o, más comúnmente, el 1789 (Revolución francesa).

45. Impresionismo: Explicación, 5obra, 5autor.

Se da a finales del siglo XIX, se crea el grupo de salones de los rechazados. Se da gracias al fotógrafo Gaspar Felix Nadar por sus fotos aéreas.

El impresionismo es el tratamiento de la representación en contra de la tradición.

Sobresalen los colores amarillos y tienen incidencia de la luz en el objeto.

*Obra:Soleit levant ; Autor:Claude Monet
*Obra: Le Dejeuner Sur I´Herbe ;Autor: Edouard Manet
*Obra: El bar del Folies-Bergère;Autor: Edouard Manet
*Obra: Les Glaneuses ;Autor: Millet
*Obra: Parlamento de Londres ;Autor: Claude Monet

46. Postimpresionismo : Explicación , 5obra, 5autor

Pintura individualista, crisis del naturalismo, renuncia ataduras sociales, instintos de libertad, extremos en marcar la diferencia.

Vicent Van Gogh, Paul Cezanne, Henri De Toulouse, Amadeo Modigliani, Paul Gauguin.

Los Girasoles, Noches Estrelladas, Cage Por La Noche, Bailarinas De Can Can, Los Lirios.

47. Modernismo : denominaciones en Europa

Alemania - Jundenstil
EE.UU y Italia - Art.deco
Inglaterra - Libery art
Francia - Art Noveau
España - Modernismo
Venecia - Seseción Venecia

48. Modernismo en España : Explicación , 1obra, 1autor.
Se desarrolla en Barcelona
Surge con un constructor llamado Antonio Gaudi del gusto de Eusedio Udel
Se dedica hacer un estudio morfológico de la naturaleza
Pedrera - Casa mila.

49. Liberty Art : Explicación , 2obra, 2autor.

Expresar un sueño, una libertad.

Papel taìz
Lamparas tifani.

50. Art Noveau : Explicación , 2obra, 2autor.

El Art Nouveau (el termino viene del Francés y significa Nuevo Arte), es un estilo del arte que se manifestó mayormente en las artes visuales, diseño y arquitectura de finales del siglo XIX y principios del XX (1890 – 1914) más o menos al mismo tiempo en todas las culturas y países europeos, aunque también lo hizo en Norteamérica.

Obra: La casa Tassel; Autor: Victor Horta
Obra: La maison du peuple; Autor: Viztor Horta

51. Jundenstijl : Explicación , 1obra, 1autor

La traducción literal de Jugendstil sería “estilo joven o de la juventud” y designa la variante del Art Nouveau que surgió en Alemania durante la última década del siglo XIX. Tienen objetivos más idealistas que sus contemporáneos europeos ligados al estilo Art Nouveau, además pretendían reformar el arte sino también recuperar un estilo de vida más sencillo y menos condicionado por los imperativos comerciales.
Obra: Palacio Ducal de Venecia
Autor: John Ruskin

52. Secesión Vienesa : Explicación , 2obra, 2autor

Trata de reinterpretar los estilos del pasado ante los embates de la producción industrial que estaba desnudando estructural y estéticamente la realidad del arte y la sociedad de la época.

Obra: Pabellón de la Secesión
Autor: Joseph Maria Olbrich
Obra: Stocletfrieze Árbol de la Vida
Autor: Gustav Klimt

53. Cubismo: Explicación , periodos 2obras , 2autores

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

Obra:Retrato Pablo Picasso; Autor: Pablo Picasso
Obra:Guitarra y mandolina; Autor: Juan Gris

54. Expresionismo: Explicación , periodos 2 obras, 2autores

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”.

Autor: Ernst Ludwig Kirchner; Obra: Fränzi ante una silla tallada
Autor: Lovis Corinth; Obra: Ecce homo

55. Bauhaus: Explicación , 3obra, 3autor

Es la escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. se caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.

Obra: Ciudad Gropius - Walter Gropius
Obra: Alegre ascencion.litografia - Wassily Kandinsky

56. Fauvismo: Explicación , 2 obras, 2autores

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (1904-1908) fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color.

Obra: Paisaje: Provenza Autor: Alfred Henry Maurer
Obra: Restaurante de la Machine a Bougival.; Autor: Maurice Vlaminck

57. Dadaísmo: Explicación , 2 obras, 2autores

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del Dadaísmo. Una característica fundamental del Dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo.

Obra: La Fuente; Autor: Marcel Duchamp
Obra: Desnudo bajando por una escalera nº 2. Autor:Duchamp

58. Conceptualismo: Explicación , 2 obras, 2autores

El arte conceptual, también conocido como idea art, information art o software art, es un movimiento artístico en el que las ideas son un elemento más importante que el objeto o su representación física. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, quedando la resolución final de la obra como mero soporte. Varios autores hablan del arte contemporáneo como un arte post-conceptual.

Obra: Paisaje; Autor: Chaumiere
Obra:Abelardo y Eloísa.; Autor:Pedro Abelardo

59. Abstraccionismo: Explicación , periodos 2 obras, 2autores

Esta corriente artística, surge en contraposición a la figurativa descriptiva, anecdótica y literaria, dando un papel preponderante a la forma y el color, postulando "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasily Kandinsky en 1910, cuya característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.

Obra: Composición 8; Autor: Kandisky
Obra: The white dot; Autor: Kandisky

60. Surrealismo: Explicación , 2 obras, 2autores

El surrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

Obra: Retrato en "Vertumnus" (Verano) del emperador Rodolfo II Autor: Giuseppe Arcimboldo
Obra: El gran Masturbador; Autor: Dali

61. Expresionismo Abstracto : Explicación , 1obra, 1autor

Criticó el racionalismo y sus formas ortogonales que resultaban deshumanizadas y monótonas. Se optó por una arquitectura que primase los aspectos humanos e individuales y usase todo tipo de materiales, huyendo de la producción en serie y de la frialdad de las líneas rectas.

Obra: La casa de la cascada; Autor: frank lloyd wright Obra: Museo Guggenheim de Nueva York; Autor: frank lloyd wright


62. Arte Cinético : Explicación 1 obra 1 autor

El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 40 durante el siglo XX en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra fría.
Obra: Circunsición; Autor: Pollock

63. Arte Cinetico : Explicación 1 obra 1 autor

El arte cinético, es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.

Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento

Obra:la Esfera de Soto; Autor: Jesús Soto.

ANÁLISIS DE IGLESIAS

IGLESIA LA COMPAÑIA

Consagrada a San Ignacio Loyola, fundador de la compañía de Jesús.

Construcción: Se inició en 1605 y, todavía por terminar se abrió al culto en 1613, Leonardo  Deubler inició la fachada de piedra en 1722 y la terminó el italiano Hno. Venancio Gandolfi en 1765.

 IGLESIA SAN FRANCISCO DE QUITO

Siglo XVI

Construcción: 1540 – 1580 y sus torres en 1893

IGLESIA EL CARMEN ALTO

SIGLO XVII

Llamada también el Carmen antiguo se fundo en 1647 con el nombre El Carmen de San José

IGLESIA SANTA BARBARA

SIGLO XVI

Del templo original (1550) solo han quedado las bases.

La iglesia fue reconstruida en 1892 por el Arq. Juan Pablo Sanz con elementos neoclásicos.

IGLESIA SAN AGUSTÍN

SIGLO XVI

Construcción iniciada por el Arq. Francisco Becerra hacia 1580 y terminada en 1627, redificada 1868.

La fachada se hizo en 1659 y 1669.

El maestro Miguel de Santiago a mediados del siglo XVII decoró el claustro con grandes óleos entre ellos los de la visa de San Agustín. 

IGLESIA SAN ROQUE

SIGLO XX

El templo original construido en 1596 fue derrocado a principios del siglo xx

IGLESIA LA MERCED

SIGLO XVIII

Construida por el Arq. José Ortíz en 1737 sobre las bases del templo primitivo en 1538.

IGLESIA SANTO DOMINGO

SIGLO XVII – XVII

Construida de 1583 a 1650 por el Arq. Fco. Becerra. 

Reconstruida en 1883

IGLESIA LA CATEDRAL

SIGLO XVI

Su primera etapa fue construida de 1562 – 1565 y fundada por Mons. Fray Pedro de la Peña en 1572.

IGLESIA EL CARMEN BAJO

Fundada en 1669 en Latacunga (ciudad ubicada a una hora y media al sur de Quito). Posteriormente se le trasladó a Quito donde su obra de construcción fue alentada por el obispo Paredes quien murió en 1745, año en que finalizó la construcción. Las custodias del templo son las religiosas carmelitas, quienes mantienen una vida de contemplación y espiritualidad.

LAS VENAS ABIERTAS DE AMERICA LATINA

AUTOR: Edgardo Galeano


El libro nos se basa en la desigualdad que siempre ha existido desde la conquista española, como los paises llamados del primer mundo se han hecho ricos acosta de paises como el nuestro, como América Latina perdía desde hace mucho tiempo, las materias primas y alimentos con destino a los países ricos ganan más consumiéndolos que lo que América Latina gana produciéndolos, debido esto también a los impuestos

Desde que los europeos pisaron nuestras tierras, solo había una intención: enriquecerse ellos a cuesta de todo, incluso de los indios, llamados así desde un primer momento, por la confusión de Don Cristóbal de creer que había llegado a alguna de las islas de Asia Oriental.

América fue víctima de la colonización y de la conquista europea. Las armas fueron la llave para dominar el territorio americano, y una sola cosa marcó la diferencia entre unos y otros: la pólvora, desconocida por los nativos americanos.

Los nuevos exploradores avanzaron sobre lo que encontraban en busca de plata y oro. Y eso fue lo que encontraron en Potosí, en la actual Bolivia, y en Zacatecas y Guanajuato, hoy territorio mexicano. La ciudad de Potosí fue la cabecera de toda Sudamérica por largo tiempo y llegó a tener más cantidad de habitantes que Sevilla, Madrid, París y la misma cantidad que Londres. Simplemente exterminaron estas minas. Y fue tanto el afán por la plata que a los colonizadores no les preocupaba tener que comer ratas, gatos y perros, porque no había quien cultivase las tierras, ya que la mayoría de los esclavos trabajaban en las minas hasta más allá del cansancio.
Se llevaban la plata rumbo a España, pero no se quedaba allí. Esta riqueza pasajera hacía una parada en la Corona española, que estaba hipotecada. Los ingresos que ella obtenía, se convertían en capitales alemanes, franceses, genoveses e ingleses. El reino español estaba en deudas con los bancos alemanes y las mismas fueron canceladas con las riquezas que venían en barco desde América Latina. Mientras en la península Ibérica había más ricos, también se multiplicaban los pobres. Los mendigos eran una postal cotidiana en los recovecos de las calles españolas. La tan mala administración política en esos años llevó a reducir ampliamente los horizontes industriales, de tal manera que de los 16 mil telares que había en Sevilla en 1558, a la muerte de Carlos V, quedaban tan solo cuatrocientos cuando murió Felipe II. Y si hablamos de la ganadería en Andalucía, las ovejas se redujeron a 2 millones cuando había 7 millones. Todo se compraba, todo. La inflación subía. Lo que bajaba, y de manera rotunda, era su población: en poco más de 200 años, la cantidad de habitantes se vio reducida a la mitad, e igualaba a Inglaterra, que en el mismo lapso de tiempo, se había duplicado. La pregunta era, si España no podía abastecerse ella misma, ¿cómo lograría abastecer a sus colonias del otro lado del charco?

Pero volvamos a América: los españoles no buscaban solamente metales preciosos en ese gran territorio descubierto por ellos en 1492. Las especias escaseaban en el viejo continente y la caña de azúcar comenzó a adueñarse de las islas caribeñas. Y no solamente las colonias españolas comenzaron a producir: las holandesas, las inglesas, y francesas no se quedaron atrás a la hora de la cosecha de la dulce plantación. Las Antillas eran conocidas como las islas del azúcar. Y a ese nombre quedaron sometidas: todavía hoy son condenadas al monocultivo y siguen padeciendo la desocupación y pobreza.
Y si hablamos del Brasil, la colonia portuguesa, no tenía solamente todos sus intereses puestos en la caña de azúcar: el caucho asomaba allá por el sur de la Selva Amazónica y parecía tener un gran auge en todo el mundo. Sin embargo, muchas plantaciones de azúcar, mucho caucho por extraer, no se podían producir si no había quien las trabajase. Los indígenas servían como mano de obra barata y abundante. Y de a poco, fueron apareciendo, de contrabando, africanos esclavos que serían también los propulsores del desarrollo europeo.

Y así fue que, ese progreso tuvo un lugar: Inglaterra, convirtiéndose en una gran potencia, donde se produjo la primera Revolución Industrial: mucha materia prima, proveniente del nuevo continente, hacía que la isla produjese a cantidades mayores, pero con una falencia: crecía su producción, pero los compradores seguían siendo los mismos. Y a alguna cabecita británica se le ocurrió una gran idea: asalariar a los esclavos, con el objetivo de que estos tengan su propia plata y puedan comprar los productos “Made in England”. De esta manera, la primera ley brasileña se promueve gracias a los ingleses, y consistía en pasar a los esclavos a obreros pagos. Los mismos que incentivaron el contrabando de esclavos, un siglo después lo criticaban.

Habíamos dicho que América Latina fue víctima de la colonización y conquista española, pero cabe destacar que, como venimos mencionando, no fue solo víctima, sino culpable. Porque resulta irónico decir que el subdesarrollo latinoamericano se debe a sus suelos ricos en materia prima. ¿Qué hubiera ocurrido si nuestro territorio no contase con tantas ventajas? (si se puede decir así) ¿cuál hubiese sido el destino de América Latina sino se encontraba las minas de plata? ¿Y el de Europa? Estas preguntas son difíciles de responder, ya que el gran progreso europeo no se hubiera podido llevar a cabo sin la sobreexplotación de un suelo que no les pertenecía, más allá de que el Tratado de Tordesillas decía lo contrario.

América hoy todavía paga todas estas agresiones y resulta un tanto complicado pensar un continente libre política, social y económicamente. Luego de las respectivas independencias, los gobiernos de turno pensaron solamente en sus bolsillos y no han contribuido con el sueño de todo latinoamericano, y los que podían haber hecho algo, fueron derrocados por juntas militares y estas incrementaron las deudas externas haciendo de las economías nacionales muy vulnerables y dejando como resultado una democracia débil y un Estado dependiente de todo tipo de potencias, ayer europeas, hoy estadounidenses.

RENACIMIENTO

BRUNELLESCHI FILIPPO

Nació el 15 de abril de 1377 en Florencia, donde recibió formación como orfebre.

En el año 1401 participó en el concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su ciudad, pero no resultó elegido. Conoce a Donatello, de quien llegó a ser amigo íntimo y al que debe su afición a la escultura y con el que viaja a Roma, donde estudia los monumentos de la Antigüedad clásica.

Posteriormente, se dedica a la arquitectura, y en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. Su proyecto consistía en la superposición de dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Gracias a esta disposición, los esfuerzos quedaban repartidos junto con una ligereza excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios siglos. Su estructura inicial contaba con ocho nervios que sirven de apoyo para el resto de los elementos decorativos.

Desarrolló otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el Hospital de los Inocentes (1421-1455). Al final de su carrera, proyecta edificios como la inacabada iglesia de Santa María degli Angeli (comenzada en 1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la Capilla Pazzi (comenzada en 1441).

El llamado padre del Renacimiento, falleció en Florencia el 16 de abril de 1446.

DUOMO

La Basílica de San Lorenzo es una basílica italiana de culto católico de la ciudad de Florencia, ubicada en la Plaza de San Lorenzo. Su construcción fue encargada por Cosme de Médici al arquitecto Filippo Brunelleschi quien trabajo en su construcción desde 1422 hasta 1470, fecha en la que asumió su construcción Antonio Manetti; debido a la muerte del anterior.

ANÁLISIS
Está inspirada en la Basílica de la Santa Cruz que es una iglesia gótica. Está dividida en tres naves y capillas laterales. En el centro del crucero hay una cúpula y este está rodeado por capillas. Frente al centro del crucero ya que esta es la capilla mayor.

Su planta es de cruz latina con tres naves y capillas laterales, casi basilical, extremadamente longitudinal, en cuyo crucero, de desarrollo escaso, se dispuso una cúpula con linterna. El espacio quedó matemática y geométricamente modulado por el círculo inscrito en un cuadrado, que actuó como medida de las proporciones con referencia siempre a la figura humana. Se emplearon elementos arquitectónicos muy armoniosos, que citan el mundo clásico a través de la influencia de las primitivas basílicas cristianas, como, por ejemplo, la techumbre de artesonado con casetones cuadrados en la nave central, el entablamento corrido y los ricos capiteles corintios sobre columnas monolíticas en esa nave central y sobre pilastras en las laterales. Brunelleschi empleó un ritmo arquitectónico peculiar en la nave central que se inicia en la columna como soporte, un trozo de entablamento decorado sobre el capitel compuesto y el arco acanalado encima de él. Utilizó bóvedas vaídas en las naves laterales. Este arquitecto jugó además con la alternancia del colorido para lograr el dicromatismo propio de la arquitectura tradicional florentina. El módulo es el cuadrado central que inscribe la cúpula y es igual en medida al de la capilla central. Cada tramo de la nave central es la mitad del módulo y un cuarto de módulo cada tramo de la nave lateral.

En altura, la protagonista es la columna, así la altura de la nave central es el doble de su ancho. En relación con las laterales, en anchura y altura son iguales. La relación de altura entre los arcos que comunican la nave lateral con las capillas laterales tiene una relación de 5/3.

La luz proviene de las ventanas. Las bóvedas son vaídas en la nave lateral y los óculos hacen que la luz aparezca más tenue. Las capillas son oscuras. En conclusión, la gradación luminosa acentúa la perspectiva.

El techo tiene casetones copiados del Panteón de Agripa. Pero también hay otros muchos elementos clásicos como las pilastras, arcos, etc. También utiliza el dicromatismo.

HOSPITAL DE LOS INOCENTES

Fue un orfanato de niños de Florencia, diseñado por Filippo Brunelleschi, quien recibió el encargo en 1419. Está considerado un notable ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento italiano. El hospital, con una galería frente a la Plaza de la Santísima Anunciara, fue construido y dirigido por el "Arte de la Seta" o Gremio de la Seda de Florencia. Este gremio era uno de los más ricos de la ciudad y como la mayor parte de las cofradías, asumía obligaciones filantrópicas.

ANÁLISIS

El diseño de Brunelleschi se basó tanto en la arquitectura de la Antigua Roma como en la arquitectura gótica tardía. La galería o logia era un tipo de construcción bien conocido, como la Loggia dei Lanzi. Pero el uso de columnas redondas con capiteles de corrección clásica, en este caso de orden compuesto era una novedad, lo mismo que los arcos circulares y las cúpulas esféricas tras ellas. Los elementos arquitectónicos estaban articulados en piedra gris que destaca contra el blanco de las paredes. Este motivo se llegó a conocer como pietra serena que significa piedra oscura. También era novedad la lógica proporcional. La altura de las columnas, por ejemplo, no es arbitraria; si se traza una línea horizontal a lo largo de lo alto de las columnas, se crea un cuadrado con la altura de la columna y la distancia de una columna a la siguiente. Esta ansia de regularidad y orden geométrico se convertiría en un importante elemento en la arquitectura renacentista.

En el extremo izquierdo del pórtico está la ruota, un torno de piedra para meter al niño en el edificio sin que se viera al padre. Esto permitía a la gente abandonar a sus hijos anónimamente, para que fueran cuidados en el orfanato. Este sistema siguió funcionando hasta el cierre del hospital en 1875. Hoy el edificio aloja un pequeño museo de arte renacentista

LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472) (Quattrocento)

El italiano Leon Battista Alberti fue, además de arquitecto, el primer teórico del arte del renacimiento.
Nació en Génova el 14 de febrero de 1404. Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros. Recibió una esmerada formación en la escuela de Barsizia (Padua) y en la Universidad de Bolonia. Estudió griego, matemáticas, ciencias físicas, filosofía, música, pintura y escultura.

Tras la muerte de su padre en 1421, sufrió problemas de tipo económico debido a las diferencias con su familia. Por ello, decidió comenzar la carrera eclesiástica. En 1432, se trasladó a Roma. Allí fue nombrado secretario del papa Eugenio IV y aprovechó la estancia para estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.
En 1434 se incorporó a corte papal establecida en Florencia. Se introdujo en los ambientes humanísticos y culturales de la ciudad y entabló amistad con algunos artistas del momento como Brunelleschi, Donatello y Masaccio.
Alberti comenzó a trabajar como arquitecto alrededor del año 1430. Sus primeras obras las realizó para la familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están considerados como los ejemplos más sobresalientes de la arquitectura renacentista.

Destaca más su actividad como teórico que como constructor, ya que proyectaba todos los elementos al detalle, pero nunca participaba en la construcción de sus edificios.

FACHADA DE LA IGLESIA DE SANTA MARÍA NOVELLA

Realizada en mármol, y considerada una obra insignia del renacimiento florentino. Alberti es contratado por la familia Rucellai para finalizar  el diseño y construcción de esta fachada lo cual logra en el año de 1456. Tuvo que realizar un estudio detallado sobre el estilo gótico usado por sus predecesores quienes ya habían construido la mayor parte de la misma para de esa forma lograr combinar los estilos usados de forma armónica mediante el uso del mármol blanco y verde como material predominante. Se encargó del diseño de la puerta, frisos y también participó de la parte estructural. Como elementos del diseño destaca el uso del arco de medio punto, frontón clásico y uso de formas simples que a su parecer incitaban a la reflexión religiosa.

Fachada del Palacio de la familia Rucellai

Obra de la cual se hace cargo en el año de 1447, se encuentra basada en el opus reticulatum romano, su fachada es plana y regular. Constituido por el uso de planos los cuales están divididos por cornizas. Posee decoración exquisita con elementos y símbolos pertenecientes a la familia propietaria como son plumas, velas y anillos. En su primer nivel destaca el orden jónico diferenciándose del superior en el cual decidió optar por el corinto lo cual se ha relacionado por varios autores con el Coliseo Romano. Los materiales predominantes son la piedra y el uso de mampostería de arenisca.

DONATO BRAMANTE

Nació en el año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de Urbino.

Su padre le inició en el arte de la pintura y del dibujo, mostrando muy pronto una gran predilección por los estudios de perspectivas y del dibujo arquitectónico, conservándose de su obra más temprana los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el año 1477.

En 1482 se trasladó a Milán y comienza su carrera como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Sátiro (1488, Milán) utilizó por primera vez en la arquitectura el trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delle Grazie (1492-1495), tiene influencia de Leon Battista Alberti y Leonardo da Vinci.

Cuando en 1499 se produjo la caída del duque Ludovico Sforza, huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el papa Julio II. Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica. La reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano, serían los proyectos que ocuparían el resto de su vida.

Donato Bramante falleció en Roma el 11 de marzo de 1514.

SANTA MARIA DELLA PACE

Santa Maria della Pace («Santa María de la Paz») es una de las iglesias de Roma (Italia), en el rione Ponte, no lejos de la plaza Navona. Es un templo cardenalicio, que en la actualidad ostenta el Arzobispo de Santiago de Chile. El edificio actual fue construido sobre los cimientos de una iglesia preexistente, dedicada a Sant'Andrea de Aquarizariis1 en 1482, encargada por el papa Sixto IV, quien había hecho un voto. La iglesia fue consagrada a la Virgen María para recordar el milagro de que manara sangre de una estatua de la Virgen en el año 1480.2 El autor del diseño original se desconoce, aunque se ha propuesto a Baccio Pontelli.


En 1656-1667 el papa Alejandro VII hizo que Pietro da Cortona restaurase el edificio, y añadió la famosa fachada barroca proyectándose desde sus alas cóncavas: esto, ideado para simular un escenario teatral, tiene dos órdenes y tiene una pronaos semicircular con columnas dóricas pareadas. La iglesia empuja hacia afuera, casi llenando su pequeña plaza; varias casas tuvieron que demolerse para que Pietro da Cortona crease incluso este pequeño espacio en miniatura.


El interior, que puede alcanzarse desde la puerta original del siglo XV, tiene una nave corta con bóveda cruciforme y una tribuna sobrevolada por una cúpula. Carlo Maderno diseñó el altar mayor (1614) para enmarcar la venerable imagen de la Virgen y el Niño.


Rafael comenzó a pintar las cuatro Sibilas recibiendo instrucción angélica (1514) sobre la entrada con arco, que lleva a una capilla interior, encargo de Agostino Chigi, el banquero papal.3 La Deposición sobre el altar es obra de Cosimo Fancelli.

BASÍLICA DE SAN PEDRO 

La construcción del edificio actual se inició el 18 de abril de 1506. El proyecto fue encargado al arquitecto Donato d'Angelo Bramante, llegado poco antes desde Milán, y que se había ganado la confianza del papa por encima del anterior arquitecto, Giuliano da Sangallo. Incluso se encargó del diseño del Patio del Belvedere. El proyecto consistía en un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central de mayor tamaño y apoyada en cuatro grandes pilares, inspirándose en laBasílica de San Marcos, y un claro ejemplo de planta centralizada típica del Renacimiento.15 La cúpula central, inspirada en la del Panteón de Agripa, se situaba sobre el crucero, y las restantes en los ángulos. Esta idea quedó plasmada en una medalla acuñada por Caradosso para conmemorar la colocación de la primera piedra del templo el 18 de abril de 1506. En la construcción de la iglesia también resultó importante la aplicación de los estudios teóricos de Francesco di Giorgio, Filarete y, sobre todo, de Leonardo da Vinci, para iglesias de planta centralizada, cuyos resultados están claramente inspirados en la planta octogonal de la Catedral de Florencia.

ANDREA PALLADIO (1508/11/30 - 1580/08/19)

Nació en Padua, el 30 de Noviembre de 1508-Maser, actual Italia, fue hijo de un molinero y se formó como cantero, profesión que ejerció en Vicenza en su juventud.

En 1537, un acontecimiento fortuito cambió su destino: el literato Gian Giorgio Trissino le encargó la construcción de su villa en Cricoli, cerca de Vicenza, lo introdujo en los ambientes culturales más selectos del Véneto y le impuso el nombre de Palladio que significa sabio. Además, lo llevó consigo en una serie de viajes, en particular a Roma que permitieron al artista entrar en contacto con la obra de los mejores arquitectos vivos y estudiar, con una precisión casi arqueológica, los edificios de la Antigüedad. El conocimiento de estas realizaciones y el estudio del tratado de Serlio formaron su estilo, absolutamente clasicista, pero muy innovador al mismo tiempo con respecto a lo que se hacía por entonces.


Combinó elementos del lenguaje clásico, de acuerdo con las exigencias del emplazamiento o de las necesidades funcionales de cada edificio y en este sentido se le puede considerar como un arquitecto manierista. Al mismo tiempo compartió la búsqueda renacentista de las proporciones armónicas, y sus fachadas se caracterizan por una excepcional elegancia basada en la sencillez.

El Palacio de la Razón o Basílica de Vicenza
Planta rectangular
Fachada de dos plantas, el piso bajo de orden dórico y el piso alto de orden jónico.
Con este edificio se inicia el “tramo rítmico palladiano”, que consiste en inscribir un arco de medio punto con dos dinteles laterales apeados sobre columnas.
En esta obra manifiesta su filiación a la tratadíca de Serlio y su absoluto dominio del lenguaje clasicista aprendido en sus viajes a Roma. Sin embargo este lenguaje clasicista, nunca abandonado, desde este primer momento es utilizado con una absoluta libertad y originalidad autónoma que le separa de los debates manieristas.
La Rotonda o Villa Capra

En la Rotonda, Palladio armoniza la naturaleza y el cálculo de proporciones de la villa, con lo que consigue una auténtica obra maestra que, con sus cuatro elegantes peristilos jónicos de acceso nos traslada al clasicismo más puro.

La altura y la longitud del edificio están perfectamente delimitadas por un sistema de proporción que deriva de Alberti y, en última instancia de Vitrubio.

Esta combinación de cuadrado (la planta) y círculo (cúpula) es característica del Renacimiento, aunque como resultado final se obtiene, gracias a los pórticos, la forma de cruz griega. El conjunto del edificio refleja simetría, perfección, armonía, en definitiva, los parámetros del Renacimiento.

En la cúpula, se representa la Religión, la Benignidad, la Moderación y la Castidad, todo esto representado al lado del Pantocrátor, el cual ocupa en centro de la representación.

Todos los laterales tienen el mismo esquema por lo cual podemos hablar de una simetría doble.

Además la edificación fue rotada 45º con respecto a los puntos cardinales para que cada estancia tuviera iluminación apropiada.

Planta con forma de cruz griega

Sin duda, la Villa Rotonda o Villa Capra se puede considerar como la obra más destacada de la trayectoria artística del arquitecto Andrea Palladio.

Esta representa el modelo de construcción típica de la aristocracia del cinquecento renacentista:

· planta de cruz griega
· cuatro fachadas idénticas
· no distinción de puntos cardinales

Precisamente la utilidad residencial y agrícola de la mansión ha hecho que todavía mantenga un buen estado de conservación, aunque restaurada por su actual propietario, la familia Valmarana.

El estilo arquitectónico de construcción de la Villa Rotonda influyó en general en la arquitectura neoclásica de los siglos XVIII – XIX, sobretodo y posteriormente en Estados Unidos, donde muchas casas de gente o clase social adinerada se construyeron de esa forma o semejantemente, como es el caso de la propia Casa Blanca.

Intentando conseguir la misma insolación en toda la casa, rotó la planta cuarenta y cinco grados con respecto a los cuatro puntos cardinales.

Tanto la disposición de la planta como la vista exterior son totalmente simétricas y muestran una concordancia perfecta, las cuatro fachadas son iguales, tienen exactamente las mismas proporciones y recuerdan a los templos de la Antigüedad clásica con una escalinata y un peristilo jónico.

PINTURA

La pintura posee varios tipos de composición, como por ejemplo geométrica. Las temáticas que se manejan en este periodo son el paisaje, el desnudo mitológico, el retrato y la religiosidad. Mientras en técnicas podemos ver que se hallan los frescos, talla en madera, Fundición en metal y en óleo. Las pinturas son realistas y maneja la perspectiva en ellas.


MOSACCIO

El primer gran pintor del renacimiento italiano. Masaccio, cuyo verdadero nombre era Tommaso Cassai, nació en San Giovanni Valdarno, cerca de Florencia en 1401. En 1422 pasó a formar parte del gremio de pintores florentinos. Masaccio estará más influido por el arquitecto Brunelleschi y por el escultor Donatello, contemporáneos con los que comparte una visión artística renovadora, estableciendo juntos las bases del nuevo lenguaje renacentista. De Brunelleschi adquiere el conocimiento de la proporción matemática. De Donatello adopta su conocimiento del arte clásico que le aparta para siempre del estilo gótico. Masaccio inaugura una nueva aproximación naturalista en el arte de la pintura, que atiende más a la simplicidad y unidad de la composición, a la representación del espacio tridimensional que a los detalles y decoración. La obra de Masaccio ejerció una profunda influencia en la evolución del arte florentino posterior, en especial en la obra de Miguel Ángel.

ADORACIÓN DE MAGOS

Material: Témpera sobre madera.
Estilo: Renacimiento Italiano.

Se trata de una de las composiciones más atractivas del conjunto por la cantidad de figuras que se incluyen, el recurso del paisaje como fondo y la arquitectura del portal donde encontramos a la Sagrada Familia. Los caballos en diferentes posturas servirán a autores de posteriores generaciones como Paolo Ucello o Piero de lla Francesca. Sus figuras gozan de la monumentalidad que acostumbran, distribuyéndose por el espacio de manera acertada para crear el efecto de perspectiva. La luz resbala por sus cuerpos y acentúa las tonalidades de los vestidos, reforzando el incipiente naturalismo que encontramos en la imagen. Las dos figuras embozadas que forman parte del cortejo podrían tratarse de retratos por su individualización aunque no están identificados

BAUTISMO A LOS NEÓFITOS

Material: Fresco.Estilo: Renacimiento Italiano. Está inspirada en los Hechos de los Apóstoles y narra la conversión al cristianismo que realizó san Pedro con sus predicaciones, eligiendo el momento en que los neófitos son bautizados, según el Evangelio unos 3.000. La escena se desarrolla ante un fondo de paisaje; san Pedro ocupa la zona izquierda de la composición mientras que un joven desnudo se arrodilla en el río para recibir el agua del bautismo; tras él se ubica otro neófito desnudo que se cubre con los brazos para sofocar el frío siendo una de las mejores figuras salidas de los pinceles de Masaccio al transmitir la sensación casi de temblor de manera soberbia. Las figuras se integran en el espacio con absoluta perfección, creando incluso un efecto de atmósfera al desdibujar los contornos de los hombres del fondo. La iluminación empleada resalta el colorido y la volumetría de los personajes, interesándose el maestro por la anatomía clásica, como vemos en los desnudos.


PAOLO UCCELLO

Pintor renacentista italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por sus innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Nació en Florencia y recibió su primera formación del artista florentino Lorenzo Ghiberti. En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de San Marcos. De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del condottiero inglés sir John Hawkwood para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de volumen y monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras para la catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su lugar originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro de Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones que realiza de la Batalla de San Romano (Uffizi, Florencia; Louvre, París; National Gallery, Londres), a fines de la década de 1440. En ellas destaca la figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro lado, éstas y otras obras como La cacería (1468, Ashmolean Museum, Oxford) reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo en sus composiciones.

BATALLLA DE SAN ROMANO

La utilización de un tema que en principio parece exigir una representación "naturalista", como pretexto para una investigación de índole casi abstracta sobre la naturaleza del espacio, le condujo a la configuración de un mundo forzosamente extraño por cuanto comportaba el desprecio de los datos sensibles. Lanzas, cascos, caballos y soldados se disponen sobre la superficie pictórica como datos previos de una ecuación matemática para cuya resolución se hiciera necesario reducir a términos fijos un determinado número de variables. Los caballos adquieren una dureza de cartón piedra, los contornos asumen una rigidez cortante y ello, junto a la esplendente policromía -aquí y allá de tonos planos y arbitrarios-, acaba por producir una atmósfera surreal. Quizá no ande desencaminada la idea de Heydenreich y el pintor intentara conseguir aquí un género nuevo de decoración mural inspirándose en los tapices o en los trabajos de taracea, pero en éstas más que en cualesquier otras obras, lo que se hace evidente es que Uccello se mueve en el campo de lo puramente mental y no en el de las sensaciones.

La luz y el objeto alcanzan un acentuado nivel de irrealidad, pero ello no supone entender la luz como fenómeno metafísico y simbólico a la manera medieval, sino como el efecto de lo que podríamos llamar luz escénica.

Los objetos aparecen aislados, delimitados en su propio valor lumínico, y cumplen una función estructural, porque sirven como elementos a través de los cuales se desarrolla toda la trama perspectiva del escenario.

EL DILUVIO Y LA RETIRADA DE LAS AGUAS

Las dos escenas de la luneta parecen reagrupadas en una sola, con la perspectiva que se pierde a lo lejos, en las aguas turbulentas, pero cada una de ellas tiene un punto de fuga diferente, determinado por cada una de las dos caras opuestas del arco. Su rigor de construcción, su riqueza cromática, sus delicadas óptico-perspectivas, su amplitud, su audacia, diferencian claramente esta escena de las góticas “Escenas del Génesis” en el mismo claustro. Parece que se haya querido subrayar expresamente su individualidad dentro del interior del gran ciclo del cual sin embargo forma parte. Ello fue seguramente una elección deliberada de los comitentes, probablemente madurada después de una pausa en la ejecución de los frescos.


FRA ANGELICO

Fra Angelico nace e Roma en 1395 y muere el 18 de febrero de 1455. En sus pinturas se puede ver que se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la dulce luz florentina, que no atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza de los volúmenes. Fray Angélico utiliza colores decoristas y brillantes para representar muy bien los sentimientos espirituales.

La pintura del beato Angélico sorprende tanto por su calidad técnica como por la profunda devoción religiosa que inspira.

LA ANUNCIACIÓN

Análisis Simbólico: La pintura representa cuando el Ángel Gabriel anuncia la llegada de Jesús por medio de María, la virgen en primer plano y en segundo plano se ve a Adán y Eva. Un rayo de Luz simboliza el nuevo amanecer en la Historia de la Cristiandad.

Análisis de composición: La pintura tiene formato horizontal donde la línea visual parte desde la parte izquierda hacia la derecha. Las formas son definidas por lo que se puede afirmar que son cerradas. El esquema compositivo parece ser una L donde el equilibrio compositivo es de peso por tamaño, por el tamaño de la imagen de María y el Arcángel. En cuanto al criterio compositivo cumple la ley de la compensación de masas. Las figuras se encuentran en segundo y tercer plano. Utiliza colores claros en la parte derecha un con oscuros en la izquierda.

LA CORONACIÓN DE LA VIRGEN

Análisis Simbólico: El cuadro representa el momento en el cual María es coronada por ser símbolo de la virginidad, y los santos que se encuentran alrededor la admiran.

Análisis de composición: El formato se encuentra en vertical donde la tensión de la vista se centra en la parte superior, cuyas formas son delimitadas por lo tanto son cerradas, el esquema compositivo es un triángulo con equilibrio compositivo de peso por tamaño. Tiene simetría axial. Las figuras resultan ser los santos, María y Jesús que es quien la corona. Los colores utilizados son claros de maneras que se encuentra en el cuadro bastante iluminación y contraste con los colores fríos con un poco de los cálidos.


SANDRO BOTTICELLI

(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.

En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro.

Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter simbólico debían reproducir las obras encargadas. De ellas se han realizado interpretaciones de enorme complejidad, que van mucho más allá de su gracia evocadora.


A la misma época corresponden también La adoración de los Reyes Magos y el Díptico de Judit, obras igualmente emblemáticas. El hecho de que en 1481 fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso a Florencia realizó obras, como la Natividad mística, más solemnes y redundantes, probablemente influido por la predicación tremendista de Savonarola. Se le deben también bellísimos dibujos para un manuscrito de la Divina Comedia de Dante.

Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX. Su estilo se perpetuó en cierto modo a través de los artistas formados en su taller, entre ellos el hijo de Filippo Lippi, Filippino Lippi.

NACIMIENTO DE VENUS

El nacimiento de Venus (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278,5 centímetros de ancho por 172,5 cm de alto. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.


PRIMAVERA

La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus la diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades y marca el eje.

Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Como fuente iconográfica para la representación de las tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraíso realizada por Ghiberti en el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esaú y Jacob.

Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios cuerpos.

La composición participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici. Detrás de Venus hay un mirto, planta tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha está hecha de árboles doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sería una alusión al novio, Lorenzo, en latín Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de escenarios sometidos a la razón son muy típicos del quattrocento.


El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que están detalladas flores típicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son también reconocibles las de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres; en torno a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por último, va esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anémonas.

Andrea Mantegna

Uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, nace en el año 1431 en una pequeña localidad del Véneto. De orígenes humildes, huérfano, criado por su hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano, el cual lo llevaría dentro de los círculos humanistas de Padua dándole una formación clásica, visita Venecia y conoce las obras de: Donatello, Filippo Lippi y Paolo Uccello.


A los 17 años rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación, llevándolo a uno de sus tantos viajes a Venecia, para casarse con una hija del reconocido pintor Giovanni Bellini.


Pintor de cámara en la corte de los Gonzaga en Mantua, dedicándose la mayor parte de su vida al servicio de los diferentes mandatarios mantovanos.


Tras un breve periplo romano reclamado en 1487 por el Papa Inocencio VIII regresa a Mantua, donde se incorporaría al estudio de Isabella d'Este, esposa del Duque Francesco II Gonzaga, la cual, supo rodearse de los mejores pinceles del momento. Por la presencia de nuevos artistas, decayó su situación económica trayéndole problemas de salud, el cual en 1506 y a los 75 años de edad, fallecería en Mantua.


Principales obras de Andrea Mantegna


Retablo de San Zenón (Pala di San Zeno)

Realiza un retablo para la iglesia de San Zenón de Verona en su taller de Padua la cual es enviada una vez finalizada a Verona en el año1459, está considerado el primer retablo plenamente renacentista del norte de Italia, presentando una disposición arquitectónica de tres calles separadas por columnas clásicas y un remate a modo de frontón semicircular.


En el cuerpo superior preside la imagen de la Virgen con el Niño flanqueada por los Apóstoles divididos entre las dos tablas laterales, mientras que en la predela, aparecen las escenas de la Oración en el Huerto, la Crucifixión y la Resurrección de Cristo.


Es perfectamente observable en todo el conjunto como Mantegna se ha desprendido totalmente de cualquier rasgo de arcaísmo en favor de un gusto plenamente moderno, caracterizado tanto por el naturalismo de los paisajes como por el gusto plenamente clasicista de las arquitecturas.


Lamento sobre Cristo Muerto

Magnífico estudio de anatomía que representa la culminación del estilo duro, casi escultórico, e intensamente dramático de su autor: el cadáver aparece encima de una mesa, cuya superficie, lisa y rígida, introduce un factor de expresión dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus dimensiones se acortan de forma brutal.


Se determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua: el torso modelado por una luz rasante, y el volumen y la textura de los pies descritos con detalle. La simplicidad de las superficies anatómicas contrasta con el plegado de la tela


La Virgen, acompañada por san Juan y una tercera figura de la que sólo es visible la parte inferior del rostro, se encuentra a la izquierda ahogada en llanto: su boca se contrae en un rictus de dolor inusitado en la pintura de esta época y que, sin duda, anticipa el gusto manierista por la expresión rebuscada.






Escasos toques de color animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de cadáveres lacerados.






La figura ha sido representada en un impresionante escorzo y reducida a un tratamiento perspectivo que determina que pueda ser vista desde distintos puntos, alterando la rígida estaticidad monofocal


LEONARDO DA VINCI

Leonardo Da Vinci era científico y artista italiano de un talento excepcional. Nació en Vinci (Italia) en 1452 y murió en Amboise (Francia) en 1519. Está considerado un humanista universal y el que más contribuyo en el Renacimiento. Leonardo retuvo consigo el retrato de Mona Lisa hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. Desde 1513 a 1516 vivió en Roma, donde en ese momento trabajaban pintores como Rafael y Miguel Ángel; no tuvo sin embargo mucho contacto con estos artistas. Leonardo era un pintor compulsivo que a menudo planeaba grandes obras pictóricas para abandonarlas sin terminar. Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.






LA GIOCONDA

ANÁLISIS


La técnica utilizada es óleo sobre una tabla de 77 x 53 cm.


La composición está formada por dos planos, la Gioconda (podríamos decir que forma una composición triangular) y el paisaje.


La Gioconda es el comienzo del paisaje y el cielo, que asciende hacia el horizonte, es el final, ya que todos los elementos del paisaje se confunden entre sí, porque las líneas de contorno están muy poco marcadas, utiliza la técnica de sfumato, difumina los rasgos hasta hacerlos indefinibles pertenece Renacimiento s XVI "Cinquecento".


El dibujo, el contorno y la perspectiva pierden la primicia para dar paso a la luz que adquiere mucha importancia juntamente con las sombras (dan profundidad a la obra).






LA ULTIMA CENA

Es una obra construida sobre la simetría y la perspectiva como efectos básicos de la composición, estando Jesús en el centro del cuadro en sentido horizontal y a su vez está justo en el punto de fuga de la perspectiva central.


La técnica empleada es de Temple y óleo sobre yeso.


La pintura es religiosa y se encuentra en el Refrectorio de Santa María delle Grazie (Milán).


Pertenece al Renacimiento (Cinquecento)






MIGUEL ÁNGEL (Michelangelo Buonarroti)

Biografía






Miguel Ángel, fue un pintor, arquitecto y escultor renacentista de la época, nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, Republica de Florencia-Italia y murió en Roma-Italia el 18 de febrero de 1564. Considerado uno de los mejores artistas de la historia, debido a sus maravillosas esculturas, pinturas y obras arquitectónicas, de Buonarroti si se conservan esculturas, pinturas y obras arquitectónicas como es la Fachada de la Basílica de San Lorenzo en Florencia, la Biblioteca Laurenciana donde realizó la sala de lectura, el artesonado de la sala de lectura, el vestíbulo, las escaleras, el grabado de la plaza del Capitolio, entre otras.






OBRAS






• LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO


La Conversión de San Pablo, es una obra pictórica de Miguel Ángel, técnicamente es un fresco (Un fresco es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas de mortero de cal), se encuentra en la Capilla Paolina del Palacio Apostólico en la Ciudad del Vaticano, data de 1542 a 1542, mide 6.25m de alto y 6.61m de ancho, debido a que el autor trabajaba mucho en frescos, esta técnica ya se apodero totalmente de él, pero en este fresco, la obra fue muy criticada, debido a que las figuras huyendo en desorden no fueron bien recibidas.

• EL JUICIO FINAL


Miguel Ángel es el creador de una gran obra pictórica El Juicio Final o El Juicio Universal, es un mural realizado al Fresco, para decorar el ábside de la Capilla Sixtina en Roma en la Ciudad de vaticano (El ábside es la parte de la iglesia situada en la cabecera. Generalmente tiene planta semicircular pero puede ser también poligonal), El Juicio Final es un enorme conjunto pictórico que mide de altura 13.70m y de ancho 12.20m, es de genero religioso cuyo tema es extraído del Apocalipsis de San Juan.






Rafael Sanzio


(6 de abril de 1483-6 de abril de 1520)


También conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael, fue un pintor y arquitecto italiano.


su obra está impregnada de un equilibrado clasicismo. su estilo es la mejor expresión de la “belleza ideal”. su aprendizaje de p. de la francesca, leonardo, y m. ángel convierten a rafael en el artista que mejor representa el sincretismo renacentista.


Algunas de sus obras: Retablo Baronci (una pala de altar para la iglesia de San Nicolás de Tolentino); pinturas como, Los desposorios de la Virgen, La Escuela de Atenas, La resurrección de Cristo , Sagrada Familia con la Virgen del Velo y La coronación de la Virgen; tapices con escenas de la vida de San Pedro.


Análisis de sus obras


Obra: La Escuela de Atenas 1509 d.c.

Análisis simbólico


Plantea una ordenación ideal de la cultura humanista en clave cristiano-platónica: el saber humano como complementario de la revelación. Así, el ciclo de los frescos de las Estancias está consagrado a la celebración de las ideas de Verdad, Belleza, Bien; en la Disputa es la Verdad revelada por la religión cristiana la que es exaltada, en la Escuela de Atenas lo es la Verdad racional de la especulación filosófica.


Expresa también en esta obra la concepción propiamente renacentista de la obra artística entendida como discurso mental, no sólo traducido de forma visible, sino también como búsqueda de la "idea". Se ha querido ver en esta pintura una representación de las siete artes liberales. En el primer plano, a la izquierda: Gramática, Aritmética y Música, a la derecha: Geometría y Astronomía y en lo alto de la escalinata Retórica y Dialéctica. En definitiva una continuidad entre el conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como protagonista al hombre.


Análisis de Composición


Platón y Aristóteles están en el centro ideal de la perspectiva de toda la composición encuadrados en el fondo del cielo por el último arco. A la izquierda Sócrates conversando con Alejandro Magno, armado. La configuración de la arquitectura del templo de la sabiduría, con los nichos de Apolo y Palas Atenea, como espacio renacentista y la representación de los sabios de la antigüedad como hombres contemporáneos de Rafael subrayan esta idea de continuidad entre el presente y el mundo antiguo.


Fresco, 770 cm


- Stanza della Segnatura, Palacio Pontificio, Vaticano


Obra: Madonna de Belvedere (Madonna del Prato) 1506 d.c.

Análisis simbólico


Interpreta de la belleza femenina a través de sus “madonas”. Rafael es la gracia, el encanto poético, sobre todo en sus obras de juventud.


Análisis de Composición


Su paleta cromática es luminosa y colorista, pero mesurada, buscando siempre la complementariedad de los colores cálidos y fríos. Óleo sobre madera
113 x 88 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena


Tiziano Vecellio (Italia, 1490-Venecia, 1576)






Pintor italiano, recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La concepción poética de la pintura En la obra Amor sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje, no tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia.


Aunque sus obras son las de tema alegórico y mitológico, el artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, son obras de composición enérgica que muestran una gran vitalidad, se reveló también como un gran retratista. Su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados. Realizó un viaje a Roma, e hizo un nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las pinturas, lo cual esconde el gran trabajo subyacente. Realizó una serie de cuadros de tema mitológico denominados por el propio pintor (poesías) por su carácter idílico y distante.






Autor: Tiziano Vecellio


Título: Amor sagrado y Amor profano


Año: 1514
Técnica: Óleo sobre lienzo


Dimensiones: 118 x 278 cm
Procedencia: Colección del cardenal Scipione Borguese






Es un desnudo femenino, manifestación natural en la plasmación del paisaje. La mujer sentada lleva, de hecho, todos los ornamentos de una novia: el vestido blanco, los guantes, el cinturón, y la corona de mirto, símbolo del amor conyugal. La palangana en el borde de la fuente, parte integrante del ajuar porque se utiliza después del parto y la pareja de conejos en el fondo representan, sin embargo, el deseo de una unión fructífera. Inspirado en los ideales de la doctrina neoplatónica, una de las principales interpretaciones identifica a la mujer con el brasero en la mano con la Venus Celeste, imagen de la belleza universal y espiritual y a la mujer vestida ricamente con la Venus Vulgar, símbolo del poder generador y terreno de la naturaleza. Cupido, sorprendido en el acto de verter el agua, representaría, por lo tanto, el amor como un intermediario entre el cielo y la tierra. Revela una lectura en clave moralista de la desnudez de la mujer a la izquierda que debe interpretarse, en cambio, en el sentido clásico, como un canon de sencillez y pureza.

Autor: Tiziano Vecellio


Título: Venus de Urbino, también llamada Venus del perrito


Año: 1538


Técnica: Óleo sobre lienzo


Dimensiones: 119 cm x 165 cm


Procedencia: Galleria degli Uffizi (Florencia).






Representa a una joven desnuda tendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol, al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito, la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es, el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.


Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la Venus dormida del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez, ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón, en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.

Jacopo Robusti il Tintoretto


Nació el 29 de septiembre de 1518 en Venecia. Tomó el sobrenombre de la profesión de su padre que era tintador. Considerado, junto a Veronés, el representante más importante de la Escuela Veneciana de la generación posterior a Tiziano.


Estudió durante diez días con Tiziano. Vivió y trabajó siempre en Venecia, dedicando su obra a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad. Recibió influencias de Miguel Ángel y de Andrea Schiavone. Autor del San Marcos (1548, Academia, Venecia) para la Scuola di San Marco en Venecia.


Tuvo muchos aprendices entre los que destacaban sus hijos Marietta y Domenico, cuyas aportaciones son a menudo muy difíciles de distinguir de sus propias obras. Trabajó los contrastes de luz y sombra, las perspectivas, escorzos forzados y grupos escenográficos.


Casado con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolló entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori.


Tintoretto falleció en Venecia el 31 de mayo de 1594.

El lavatorio de pies es una obra que representa en el lado derecho de la pintura, mientras que parecería más lógico que ocupara el espacio predominante en el mismo centro de la tela. La profundidad a las dos dimensiones del cuadro, al fondo vemos un gran arco que se abre a un estanque, que a su vez se cierra con un nuevo arco en la perspectiva más lejana, y se rodea todo ese espacio exterior de arquitectura.

La última cena (1594) es una obra, la mesa se dispone en una fuerte diagonal con los personajes diseminados a su alrededor ocupando gran parte del espacio, En contraposición ciertas zonas en la profundidad del cuadro presentan un aspecto inacabado.






La Escultura Renacentista .


· Las innovaciones escultóricas se gestan en la obra de Nicola Pisano en el siglo XIII.


· En un principio, la escultura renacentista se desarrolla en relación con la arquitectura. Mas, la estatuaria no tarda en independizarse. Al igual que las demás artes, refleja el humanismo ambiente exaltando la belleza del cuerpo humano, utilizando los nuevos conocimientos anatómicos y los canones griegos.


· El hombre es el tema principal y el contraposto aparece de nuevo.


· Además, la escultura se caracteriza por su expresividad y la perfección de las formas, tanto en el bajo relieve como en la estatuaria.


· El bajo relieve constituye la clave en la escultura arquitectónica. Su principal progreso se encuentra en el uso de las leyes de la perspectiva redescubiertas por Lorenzo Ghiberti.


Si, indudablemente, otros escultores notables merecen mención:


· Jacopo de la Quercia


· Nanni de Banco


· Luca de la Robia


· Los innovadores son:


· Donatello y


· Verrocchio,
aunque, definitivamente, la escultura del Renacimiento es dominada por el genio sin paralelo de:


· Miguel Ángel.










Donatello

(Desconocido - 1466/12/13)


Donato di Niccolò di Betto Bardi


Escultor italiano


Nació en 1386 en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi.


En su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas; destacan entre las esculturas de este periodo las estatuas de San Marcos (1411-1412, iglesia de Orsanmichele, Florencia), San Jorge (1415-1417, Bargello, Florencia), san Juan Evangelista (1413-1415, Opera del Duomo, Florencia) y Josué (1418, campanile de la catedral de Florencia). En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica.


Hacia 1443, trasladó su taller a Padua. Entre 1425 y 1435 trabajó con el escultor y arquitecto florentinoMichelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano). Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de La adoración de los ángeles y El entierro de Cristo. Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista.

Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia).


Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466




Análisis de la escultura David de Donatello. 1440.

Esta obra fue realizada en bronce fundido y pulido. En principio la escultura se colocó en el patio del palacio de los Médicis, pero cuando Piero de Médicis fue expulsado de la ciudad la estatua fue trasladada al patio del Palazzo Vecchio, sede de la señoría de la república. Actualmente se halla localizada en el museo del Bargello de Florencia.


La textura de su superficie es lisa y pulida, pues el artista parece imitar el aspecto de la piel humana, intentando hacer más verosímil dicha escultura, lo cual además proporciona una cierta sensación de blandura y tersura.


La escultura puede ser contemplada desde distintos puntos de vista y el contrapposto, así como la cabeza ligeramente girada hacia un lado, rompen totalmente con la ley de la frontalidad.


La pose de la figura nos remite hacia una composición reposada y serena, casi estática, mostrando una gran serenidad interior después de haber conseguido la victoria sobre su rival.


La composición es plenamente figurativa con la búsqueda de la belleza ideal en la imagen de un David adolescente. El cuerpo de David aparece representado como si de un Dios olímpico se tratara. Un joven de anatomía blanda apenas desarrollada y que adopta la postura clasicista del contrapposto apoyando el peso del cuerpo sobre la pierna derecha, cuya cadera sobresale recreando la curva praxiteliana. El rostro imberbe del joven David expresa serenidad y contrasta con el vencido Goliat cuyo rostro barbudo de facciones marcadas y maduras contrastan con las de su oponente.


Análisis de El Condottiero Gattamelata”


(Bronce, 1447-1450, Plaza del Santo, Padua). Esta escultura ecuestre sobre podium decorado con motivos clásicos se encuentra frente a la fachada principal de la Basílica de San Antonio en Padua. El artista se inspiró en la estatua ecuestre de Marco Aurelio de Roma. Se convertirá en el prototipo de las esculturas ecuestres del Renacimiento que al mismo tiempo son retratos. Vasari alabó su maestría en la ejecución de las proporciones.

Se trata de un guerrero victorioso, un héroe tal y como se refleja en la literatura renacentista. Pero también destaca el trabajo realizado en el animal, el caballo va ganando conforme se le rodea, gira su cabeza ligeramente hacia la izquierda marcando mucho el cuello. El animal va marcando el paso, por lo que el artista tiene que buscar un punto de apoyo artificial para conseguir el equilibrio dado el enorme tamaño de la escultura y para que no se venciera hacia la izquierda. Inspirará a otros artistas como Il Verrochio.




El rostro del Condottiero es todo un ejemplo de análisis psicológico, enérgico, fuerte, poderoso, aunque muestra cierta rigidez.

ANDREA VERROCCIO

Biografía


Andrea di Michele di Francesco de Cioni nació en Florencia en 1435 y falleció en Venecia en 1488, conocido simplemente como Verrocchio; hijo de Michele di Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y tejas y, más tarde, como recaudador de impuestos. Fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino. Dentro de sus principales obras son:


- Cristo y santo Tomás (Florencia) (1467-1483), Bronce, Orsanmichele, Florencia.


- El bautismo de Cristo, (1472-1475), Óleo sobre tabla, 177 x 151 cm, Galería de los Uffizi, Florencia.


- Virgen con los santos Juan Bautista y Donato (1475-1483), Tabla, 189 x 191 cm, Catedral de Pistoia.


- Santa Mónica, Panel, Santo Spirito, Florencia.


- Tobías y el Ángel (1470-1480), Temple al huevo sobre madera de álamo, National Gallery de Londres.


- David (1467), Bargello, Florencia.


- Estatua ecuestre a Coleoni (1479-1488), Bronce, Plaza de San Juan y San Pablo, Venecia.






Obras


































EL BAUTISMO DE CRISTO

- 1475 - 1478


- Pintura al óleo sobre Tabla


- Mide 177 cm × 171 cm


- Realista y Natural


- Utiliza la triangulación


- Se atribuyen algunas partes a Leonardo Da Vinci (Alumno de Verrocchio)














VIRGEN CON LOS SANTOS JUAN BAUTISTA Y DONATO

- 1475 - 1483


- Pintura al óleo sobre Tabla


- Mide 189 cm × 191 cm


- Realista y Natural


- Utiliza la triangulación






Luca della Robbia


Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.


Según Giorgio Vasari, Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no solo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.

“Madonna con el Niño”


(Terracota esmaltada, 1445-1450, Metropolitan Museum of Art, Nueva York). Muestra las dos figuras dentro de un nicho enmarcadas por un arco de medio punto. El niño se muestra sosteniéndose sobre uno de sus pies con gesto cariñoso mientras su madre le sostiene evitando así que caiga. Esta Madonna influirá mucho en las pinturas que se realicen con el mismo tema en época contemporánea y posteriormente, entre otros autores Fra Filippo Lippi seguirá este modelo para sus pinturas.

“La Visitación”


(Terracota esmaltada, 1445, San Giovanni Fuorcivitas, Pistoia). Escultura de tamaño natural que se encuentra en uno de los nichos de esta Iglesia de Pistoia. Para muchos estudiosos es obra de su sobrino Andrea, en cualquier caso parece una colaboración entre tío y sobrino con clara influencia de Il Verrochio.






GIOVANNI BELLINI

Pintor italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.


También llamado Giambellino, nació en el seno de una familia de pintores; su padre, Jacopo, dibujante y discípulo del florentino Gentile da Fabriano, desempeñó un importante papel como introductor de la estética renacentista en Venecia. Su hermano Gentile fue un importante retratista que colaboró con él en la decoración del palacio ducal e incluso viajó a Constantinopla a retratar a su sultán.


Las primeras obras de Bellini, realizadas con la técnica del temple, salieron del taller paterno, lugar de aprendizaje, trabajo y formación hasta que marchó a Padua, hacia 1460. Allí conoció al pintor Andrea Mantegna, su futuro cuñado, de quien aprendió a dominar el dibujo, como puede verse en ”Oración del huerto de los olivos”, y a quien a su vez enseñó la luz de la escuela veneciana. Bellini era por entonces un gran paisajista, virtud que transmitió años después a los discípulos de su taller.






MADONNA DE LA PRADERA

La Madonna de la pradera' muestra a Jesús durmiendo en las piernas de la Virgen. Es una pose natural, sin embargo, se anticipa a la Piedad, en la que su cuerpo muerto se sentó en el regazo de su madre. El paisaje muestra las tierras de cultivo y colinas fortificadas de las provincias de la parte continental de Venecia. A la izquierda de la Virgen a un pájaro que vadea, posiblemente una grúa, ataca una serpiente. Esto puede tener como objetivo simbolizar la lucha del bien y del mal. El buitre en el árbol puede ser un símbolo de la muerte. La pintura ha sido trasladada desde el panel de lienzo y está dañado en algunos lugares.


LA SANGRE DEL REDENTOR

En esta obra de Bellini, Cristo se muestra como el Redentor. El Panel puede haber servido como la puerta de un sagrario, en la que el vino y el pan de la misa se ​​mantuvieron. Cristo se muestra después de la crucifixión, como el Hombre de los Dolores, cuya sangre salva al mundo del pecado. Él lleva a cabo su cruz, con la corona de espinas. Un ángel le llama la sangre en un cáliz, como las que se usan en la Misa. El parapeto relieves que ilustran antiguos rituales paganos y puede tener un significado para el significado de la pintura, pero ninguna teoría convincente sobre esto todavía no se ha avanzado. Antes de limpiar, en 1978 hubo un suelo de baldosas ininterrumpida, incluyendo un poco de aceite-pintura sobre originales de Bellini temple de huevo. Limpieza eliminado estas adiciones. Los parches desnudos de yeso, o de tierra, fueron pintados originalmente como nubes con ángeles rojos y azules con mucho oro. No sabemos por qué o cuando se retiraron los ángeles, pero sin duda se hizo después de Bellini terminó la obra.










Giorgione (1477-1510)


Biografía


Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto; h. 1477 Venecia, 1510), pintor italiano, representante destacado de la escuela veneciana.






Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Llegó a Venecia hacia el año 1500 y se formó en el taller de Giovanni Bellini, antes de establecerse por su cuenta en asociación con Vincenzo Catena. Participó en dos importantes encargos públicos: un lienzo para la sala de audiencias del palacio ducal (perdido) y los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi, en colaboración con Tiziano. Se le considera el inventor del paisaje emocional, es decir, de la naturaleza representada en función del estado de ánimo del artista.


Obras

"La tempestad resume todas las claves del "giorgionismo". Es un cuadro del que se desprende una profunda sensación de misterio. En este cuadro todo parece casual los personajes no dominan, ni por su escala ni por su posición, el paisaje, no gobiernan la estructura del cuadro; tampoco la naturaleza aparece sometida a una disposición rígida según las leyes de la perspectiva cuatrocentista. Por primera vez la naturaleza no es un telón de fondo y ni siquiera el campo de acción de la historia o del mito, sino que asume un nivel de protagonismo idéntico al de ellos. Y es que La tempestad tampoco es un paisaje con figuras. Es inquietante como relaciona los personajes con el paisaje de la naturaleza que se encuentra tormentoso, mientras los personajes se mantienen tranquilos sin preocuparse de la naturaleza como si nada pasara.










Venus dormida

Es la última obra que Giorgione pinto antes de fallecer, no fue terminado por él, pero en el cuadro podemos apreciar la técnica de paisajismo emocional que el creo, por la forma de las nubes y la forma en como oscuras el panorama de las casas, se puede ver una técnica delineada tanto en el paisaje como en la diosa acostada, nos deja apreciar la forma en la que descansa indiferente a lo que pase en la naturaleza, sin preocupación y separada de la pequeña aldea como símbolo de superioridad o indiferencia al pueblo, la forma en como utiliza los colores claros en la diosa como símbolo de divinidad y el rostro tranquilo descansa sobre su brazo, mientras su mano se encuentra en la ingle como demostrando un toque de pureza.


Correggio (Antonio Allegri) (1489-1534)


Biografía


Poco es lo que se conoce acerca de las circunstancias personales de Antonio Allegri.


Oriundo de la localidad de Correggio su sobrenombre deriva prácticamente de este hecho, nace a finales del s.XV las fechas están entre 1489 y 1493 ya que no se sabe exactamente su fecha de nacimiento, disfruto de una breve vida ya que murió en 1534


La obra más antigua documentada de Allegri data de 1514 y fue encargada por el prior de la Iglesia de los franciscanos de Correggio para el altar mayor de la misma; esta tabla es conocida bajo el título de La Virgen de San Francisco y responde al modelo iconográfico de sagradas conversaciones, inscrita en este caso dentro de un esquema piramidal completamente clásico. La fama de Correggio se consolida a partir de la tercera década del s.XVI, recibiendo encargo por parte de grandes mecenas de la época, como el duque de Mantua Federico II Gonzaga.


Obras


Adoración de los pastores

En esta obra de Correggio podemos apreciar una pintura un poco oscura que tiene un foco de luz en el niño Jesús que se encuentra en las manos de María creando así un efecto singular entre el contraste de luces y sombras. Los rostros alegres, sonrientes de los pastores, San José y María demuestran claramente el estilo carismático o dulce que tenía Correggio. Podemos apreciar que se rompe la simetría del renacimiento al desplazar la imagen del centro hacia la derecha y entrando a algo típico que se verá en el Manierismo.






















Leda y el cisne

Forma parte de un conjunto de cuatro lienzos que el duque de Mantua, Federico Gonzaga encargó al pintor con una temática mitológica en el que el pintor Corregio narra la historia de Leda, la joven y bella esposa de Tindáreo a la que Zeus poseyó en el río Eurotas adoptando la forma de un hermoso cisne. Podemos apreciar que el artista ha optado por unificar diversas escenas de la historia en un mismo espacio, así establece en el centro la unión entre Leda y cisne. Podemos ver una sensualidad en la pintura propia de la época acompañada de moderación y elegancia. Podemos observar que la pintura está fuera del renacimiento ya que los personajes no se encuentran delineados y la pose de Leda. Observamos que al lado derecho también se encuentra Leda desnudándose, y al final rechazando con sus gestos al hermoso cisne.






















ALBERTO DURERO


Albrecht Durer; Nuremberg, actual Alemania, 1471-1528. Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentista a través de sus grabados.


Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. Al concluir sus estudios realizó un viaje a diversas ciudades de Alemania y Venecia 1494, ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507, en la cual recibiría influencia de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio, abrió un taller en su ciudad natal de pintura y grabado.


Después de su estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano, tal era su fama que fue nombrado pintor de corte del emperador Maximilano I 1512, también Carlos I lo reclamó. Alberto Durero le gustó retratarse a sí mismo desde la temprana edad de trece años. Durante los últimos años de su vida, Durero reflejó los numerosos estudios sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana.


Adán y Eva

Es una pintura realizada por el artista Alberto Durero, están pintadas a óleo sobre tabla. Datan del año 1507, ambas miden 209 cm de alto, una mide 80 cm y el otro 81 cm, se atribuye una influencia gótica e incluso un poco de manierismo.


Se representa en dos tablas independientes, en la que Adán se representa en un fondo oscuro, de manera que se centre la figura humana masculina que está de pie. Eva se presenta en una postura distinta, se presente de frente adelantando la pierna derecha, el rostro de Eva es más claro que el de Adán y aún desprende inocencia.


Autorretrato de Alberto Durero

Autorretrato realizado en 1500, elaborado con óleo sobre panel de madera. Sus dimensiones son 67 cm de largo y 49 cm de ancho se lo conoce también como Autorretrato con traje de piel, se representa sosteniendo una flor en su mano derecha.


El fondo oscuro da un efecto de silencio, el rostro de Durero sobresale dramáticamente, la luz que posee es poca pero llega del lado izquierdo del cuadro y es el único espacio que alumbra la escena. A este cuadro se otorga realismo y detallismo, a la vez que no es simétrico esto se sabe gracias a la luz que solo llega a un lado.


GRUNEWALD MATIAS


Pintor e ingeniero hidráulico alemán, nace en Wurzbugo, actual Alemania en el año de 1470, y muere el 31 de agosto de 1528 en Halle. Su nombre originalmente fue Matthias Grunewald, sin embargo un escritor del siglo XVII, Joachim Von Sandrart, lo identificó erróneamente con el apellido Grunewald, su nombre no fue descubierto hasta los años 1920. Su fecha de nacimiento no está clarificada, pero se cree que sería hacia finales del siglo XV, ya que su primera obra fechada es de 1503. Pintó principalmente obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión, las cuales eran sombrías y llenas de color. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz, así también como su intensidad cromática y la agitación de la línea.


Obra: Trias Romana


Época: Renacimiento


Dimensiones: 19.9cm x 27.2cm.


Técnica: Tiza sobre papel.

Análisis:


Se trata de una obra de la época del renacimiento, la cual presenta una composición cerrada, con cierta centralidad ya que se trata de tres cabezas que parecen descansar sobre un solo cuello, sobre un solo punto de donde estas crecen. Nos encontramos también con una pintura lineal, la primera cabeza está representada como solían aparecer los sacerdotes en las caricaturas de la época. La verruga que aparece en la nariz parece referirse a la sífilis, enfermedad que por entonces hacía muchos estragos. La cabeza menos clara representa una cierta esperanza, esperanza de salvación.


Obra: Escarnio de Cristo


Época: Renacimiento


Dimensiones: 109cm x 73.5cm.


Técnica: Pintura a temple y óleo.

Análisis:


Se trata de una pintura de la época del renacimiento. Es una pintura con una composición central, la cual utiliza una cromática vivaz, con colores vívidos. Utiliza escenas religiosas, las cuales están representadas por una pintura lineal, utilizando de cierta forma la perspectiva. En la pintura se representa a Jesús de Nazaret, el cual está con los ojos vendados y brazos atados. Recibe indefenso los golpes otorgados por unos siervos.




CRANACH LUCAS

(Lucas Müller; Cranach, hoy Kronach, actual Alemania, 1472-Weimar, id., 1553) Pintor renacentista alemán. Las primeras obras conservadas de este artista datan de 1502 y coinciden con su estancia en Viena, donde cambió su nombre por el de su ciudad natal. De aquella época datan varios cuadros suyos de asunto religioso, de expresividad muy acentuada: las dos Crucifixiones, la de 1500 y la de 1503. La tabla Alto en la huida a Egipto(1504) destaca, en cambio, por su amplia concepción idílica. En 1505, llamado por el elector Federico el Sabio de Sajonia, se trasladó a Wittenberg, ciudad en la que permaneció hasta 1550 como pintor de la corte, y en donde destacó, además, como ciudadano, llegando a ocupar diversos cargos. Se convirtió asimismo en el representante artístico de la causa protestante con su serie de retratos de Martín Lutero y su círculo, aunque el retrato del arzobispo de Maguncia, Alberto de precisamente son los retratos lo que más caracteriza la obra de Cranach, como el del Duque Enrique el Piadoso y su esposa Catalina y el Autorretrato que se encuentra en los Uffizi. Entre otras obras de esta época son de destacar El martirio de Santa Catalina, El juicio de Paris, Cacería en Torgau y sus versiones de Adán y Eva. Brandeburgo, demuestra que no había roto con las destacadas figuras del catolicismo.